Hello Evey

La Carta de Hiroshi

2012-02-07T14:13:00.000-08:00

- No es de gran importancia pero si no viste Restless, aviso que es una parte de la película.-

Mientras escribo esta carta, la brisa del océano me acaricia la piel. Ese inmenso océano que pronto será mi tumba. Dicen que moriré como un héroe, que la seguridad y el dolor de mi país serán mi recompensa por mi sacrificio. Rezo para que tengan razón.

En esta vida, sólo me arrepiento de no haberte dicho lo que sentía. Me gustaría estar en casa, me gustaría cogerte de la mano, me gustaría decirte que te he amado y sólo a ti desde que era un niño. Pero no es así. Ahora veo que morir es fácil. Es el amor lo que cuesta. Mientras mi avión se hunde, no veré el rostro de mis enemigos, pero sí veré tus ojos, como rocas negras heladas por el agua de lluvia.

Nos dicen que gritemos “banzai” cuando nos estrellemos contra nuestro objetivo. En cambio, yo susurraré tu nombre. Y en la muerte, como en la vida, seguiré siendo tuyo para siempre.

Restless

2012-02-07T10:20:00.000-08:00

Enoch (Henry Hopper) es un chico raro, que suele ir a funerales de gente desconocida, por interés, o curiosidad (o mambo)...
En uno de esos funerales al que no fue invitado, conoce a Annabel (Mia Masikowska) una chica encantadora que no descansa hasta llamar su atención, y así comenzar una extraña y especial relación, que le cambiará la vida a ambos.

Gus Van Sant, en su última película, observa (o nos hace observar) a los personajes desde un punto de vista particular: su relación con la muerte. Ya sea la propia, la de seres queridos, la de extraños o conocidos, constantemente a lo largo del film, vemos como Enoch y Annie se comportan frente a este factor. Lejos de sentirse perseguidos o amenzados, ellos conviven con la posibilidad de la muerte, como con los pájaros en el bosque, o el aire que respiran.

La película está cargada de inocencia, de la más pura, producto evidente de la sensibilidad de Gus Van Sant, quien siempre se ha mostrado a través de su obra, interesado en los adolescentes, y su mirada del mundo. Dentro de ese mundo, la vida y la muerte, aparecen como cualidades indispensables e innegables. (De hecho lo son) pero Gus Van Sant lo ha sostenido a través de toda su filmografía, casi como si no pudiera evitarlo, como si le pareciera antinatural no exteriorizar a conciencia la existencia de ambas. Casi como una regla. No hay película sin una historia que contar, no hay película sin un personaje con el que identificarnos, para Gus Van Sant, no hay película sin "vida y muerte".

Personalmente prefiero cualquier otro título de Gus Van Sant (genio de la vida) excepto "Drugstore Cowboy". Restless es una película que acierta más que nada en los detalles, y no como producto completo. Tiene la huella de Van Sant en la fotografía, pareciera estar filmada a través de sus propios ojos. Mirada con la cual destaca la belleza de las cosas que no brillan ante los ojos de cualquiera. Hay algunas tomas (de esas que me encantan) donde encuandran a los personajes de espaldas. Se lo encuentra a él dentro de su obra en esos momentos, o en los reflejos en los vidrios, en las secuencias de la calle, los trenes, los atardeceres... Los besos y las caricias fuera de foco. Un placer encontrarlo, realmente.

"Restless" se diferencia de sus otras obras, por su ingenuidad.
El guión, escrito por Jason Lew, presenta una historia sin matices, infantil, suave, casi como un cuento para niños sobre la muerte. Los fantasmas, los espíritus que nos protegen, qué hay más allá, el alma acompañada, el largo camino a otro mundo. Podría decir que esto es un defecto de la película pero sinceramente no me atrevo a afirmarlo.
Así como considero "La Dama en el Agua" una genialidad de Shyamalan, con sus personajes chatos, básicos y únicamente funcionales para la historia (o el cuento) que está contando. Restless podría tener también la intención de aferrarse al niño interno, huir de la parafernalia adulta seria y compleja de las cosas, quedarse placenteramente parado en la sencillez de la infancia, cuando las cosas son simples, donde no existe el miedo, ni a la muerte ni a nada. Cuándo, en el camino hacia la madurez, nos olvidamos que morir no es lo difícil?
Morir es fácil, sostiene. Pero amar es crecer, y amar es lo difícil.
Enoch y Annie transitan un camino de aprendizaje juntos, pero mientras ellos creen que están aprendiendo a morir, van a sentirse más vivos que nunca. Van a aprender a amar.

Lo Más: La Fotografía
La Escena: La carta de Hiroshi (y el minuto: 01:17:59)
Lo Menos: La conversación con los padres de Enoch en el cementerio, y los besos que se dan Enoch y Annie.

PS: Hermosas canciones, algunas de Sufjan Stevens, otras escritas por el mismo Gus Van Sant, y la final, de Nico. Un muy buen soundtrack.

[Pony-puntaje> 6]

Now that it's light
Now that the candle's falling smaller in my mind
Now that it's here
Now that I'm almost not so very far behind
I want to know do I stay or do I go
And maybe follow another sign
And do I really have a song that I can ride on?

Now that I smile,
Now that I'm laughing even deeper inside.
Now that I see,
Now that I finally found the one thing I denied
It's now I know do I stay or do I go
And it is finally I decide
That I'll be leaving
In the fairest of the seasons

-We have so little time to say any of the things we mean. We have so little time for any of it

Los extraño

2012-02-05T01:28:00.000-08:00

mañana estoy de vuelta lo prometo

Wristcutters: A Love Story

2011-11-28T06:52:00.001-08:00

The Wristcutters es una película ambientada en una especie de mundo post mortem reservado para suicidas.

Patrick Fugit (el William de Almost Famous) es Zia, un chico que se suicida en el baño de su pequeño departamento al sufrir el abandono de su linda novia Desiree. Se despierta en una especie de pueblo de mala muerte en medio de la ruta, con cicatrices en sus muñecas, y rodeado de gente que también llegó al lugar por medio del suicidio.

Durante su estadía conocerá a Eugene (Shea Whigham) un ruso que convive con toda su familia, aparentemente suicidas por genética, y a Mikal (Shannyn Sossamon) una chica que hace dedo en busca de "las personas a cargo" convencida de que su llegada a este mundo es un error de papeleo.

wtf?

Tiene una estética de Road Movie clásica, con amplios planos del horizonte, la ruta y el paisaje desértico.. Luz natural de día, y sin jugarse demasiado en la fotografía, siempre es agradable ver un auto en la ruta en una película. Es de esos clichés encantadores.

La película está basada en el cuento de Etgar Karet "Kneller’s Happy Campers", quien ya había recibido pedidos para adaptar su historia al cine, pero los cedió a Goran Dukic considerando que su guión haría justicia a la historia original.

Personalmente no creo que Etgar Karet y Goran Dukic hagan un buen equipo.

Entre la dirección de la película y la historia base, el resultado es un producto mal desarrollado, demasiado superficial y algo, me animo a decir, tonto...

Una película predecible y chata, que fracasa hasta en los momentos de humor irrelevantes que en vez de sumar, restan considerablemente a una historia, que tal vez, no sé como, pero tal vez, podría haber sido más interesante...

Dukic se jacta de haber agregado detalles al mundo inventado por Karet, como la ausencia de estrellas en el cielo, o la imposibilidad de los suicidas de sonreír (y dejo de enumerar porque no agregó más que eso) lo cual me parece bastante boludo teniendo la posibilidad de desarrollarlo de manera mucho más profunda cuando la intención era hacer una película más personal a pesar de estar basada en una historia ajena. Entre el autor del cuento y el encargado de adaptar el guión, no logran imaginar un mundo fuera del de los vivos, del que ya conocen. Quedando en evidencia de un intento fallido de utilizar la imaginación, alcanzando un resultado poco creativo y falto de contenido.

El desarrollo de la historia se pone más incoherente a medida que avanza la película, aunque la incoherencia o es el principal defecto. Hay películas geniales totalmente incoherentes y fantasiosas (como Kaboom de Greg Araki) que se diferencian en su manera de desarrollar los hechos, la postura concreta y decidida de hacer o no, una película incoherente y fantasiosa, o una historia de amor comercial, o una comedia negra. Lo que aquí falta es decisión.

The Wristcutters es también una historia de amor, que desde los primeros 15 minutos, ya sabemos cómo va a terminar, y solo nos queda esperar que durante la hora restante, aparezca alguna sorpresa que refute nuestra temprana predicción del final.

Pero no...

Las únicas sorpresas que aparecen solo ayudan a que la sensación de que estamos frente a una película que va a pasar sin llamar la atención por nuestra vida, se afiance hasta el punto de decir "bleh" durante los créditos finales...

Definición de Taringa:

una palabra del slang estadounidense que representa indiferencia

ejemplo:

-¿qué te pareció el programa de marley?

-bleh

en este caso el significado oscilaría entre "más o menos" y "no sé"

Los personajes en general carecen de complejidad. No existe un análisis, ni en las causas de los suicidios, ni la vida antes de la muerte, ni patrones de personalidad. Estos chicos simplemente se suicidan por alguna insatisfacción en su vida, que evidentemente no merece la menor atención.

El mensaje de la historia tiene pocos fundamentos porque el desarrollo parece no tener importancia para el director. Hay una simple moraleja sobre la vida, muy débil y sin poder de impacto.

Shannyn Sosamon está muy bien en su papel, es un personaje cautivante y querible.

Patrick Fugit también está bien, cumple con su papel, que igualmente no aporta nada al mundo.

Tom Waits tiene una participación genial, como siempre, recreando un personaje que no es lo que parece (como siempre)

Los puntos fantásticos en la película dejan bastante que desear, reduciéndose al agujero negro bajo el asiento del auto y los pequeños milagros irrelevantes que pueden crear los suicidas.

La película es forzada, obvia y estructurada. El desenlace podría haber sido bastante más sutil, ya que con una historia tan básica no se necesaitaban tantos planos explicativos. El bajo presupuesto no justifica esos horribles efectos especiales, fácilmente reemplazables por insinuaciones que no requerían de dinero, sino de un poco de confianza en el espectador, quien está, a mi gusto, algo subestimado.

No es la peor película que se encuentra en cuevana, de hecho en algún punto tiene una premisa interesante (en realidad no lo creo, solo estoy tratando de ser más buena) No me esforzaría por impedir que alguien la viera y tal vez me encuentre en algún momento en particular recomendándola (no tengo idea en qué momento hipotético podría pasar ésto, pero no lo descarto).

Pero claramente la mejor manera de describirla es esa palabra--> bleh

Lo Mejor: Tom Waits

La Escena: La conversación que tienen Malik y Zia a orillas del mar, cuando encuentran la playa.

Lo Peor: La trama principal, que es básicamente tonta.

[Pony-puntaje> 5]

III Semana de Cine Europeo

2011-11-27T19:24:00.001-08:00

Hace 3 años, se celebra en la ciudad la semana de cine europeo, donde se presenta una serie de preestrenos imperdibles que llegan desde el viejo continente.

Este 2011 la semana se llevará a cabo entre el 29 de Noviembre y el 6 de Diciembre, y las películas se proyectarán en el cine Gaumont Espacio INCAA Km 0 (Rivadavia 1635)

Las entradas cuestan entre $8 y $6, con descuentos para estudiantes y jubilados.

Todas las películas fueron seleccionadas por el director del festival de Cannes, Thierry Frémaux, quien estará presente durante esa semana para presentarlas acá en Buenos Aires.

El año pasado tuve la grata experiencia de acudir al estreno nacional de Enter The Void, en la 2da semana de cine europeo, donde Gaspar Noé, acompañado también por Thierry, presentaron el último largometraje del director radicado en Francia. Puedo asegurar que es una experiencia totalmente distinta ver una pelicula contando también con comentarios de expertos en el tema, o sus mismos realizadores. Por eso recomiendo acudir a estos preestrenos, que son en sí mismos oportunidades únicas.

Este año contaremos con la presencia de los hermanos Dardenne ("Rosetta"; "El niño"; "El silencio de Lorna") quienes presentarán su más reciente producción: "Le gamin au vélo"

A cotinuación, la programación completa.

Dato interesante: habrá un bono de $30 para ver las 5 películas que conforman el ciclo.

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Le Havre de Aki Kaurismäki. (Francia / Finlandia)

Martes 29 de Noviembre 20:30hs

Sábado 3 de Diciembre 20:30hs

trailer:

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Le Gamin Au Velo de Luc y Jean-Pierre Dardenne (Bélgica / Francia)

Miércoles 30 de Noviembre 20:30hs

Martes 6 de Diciembre 18hs

trailer:

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Melancholia de Lars Von Trier (Dinamarca / Francia)

Jueves 1ro de Diciembre 20:30hs

Domingo 4 de Diciembre 20:30hs

trailer:

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This Must Be The Place de Paolo Sorrentino (Italia / Irlanda)

Viernes 2 de Diciembre 20:30hs

Lunes 5 de Diciembre 20:30hs

trailer:

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Stopped on Track de Andreas Dresen (Alemania)

Sábado 3 de Diciembre 18hs

Martes 6 de Diciembre 20:30hs

trailer:

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Espero que les sirva la información

Disfruten la película

Innocence

2011-10-05T08:37:00.000-07:00

Basada en la novela de 1903 de Frank Wedekind "Mine-Haha, or On the Bodily Education of Young Girls" Innocence, retrata un grupo de niñas que viven en una especie de internado en medio del bosque. Allí reinan el orden y la disciplina, en un ámbito carente de figuras adultas, donde las niñas siguen las reglas al pie de la letra, atemorizadas por los graves castigos que surgirían en caso de romperlas. Un ambiente hostil debajo de la aparente armonía que emana la convivencia de las niñas con la naturaleza y los hermosos paisajes que las rodean.

Existe un ciclo natural para las cosas, y éste connota ciertas reglas, que deben ser respetadas aunque no estén escritas en ningún lado. “Obedience is the only path to happiness”

------contiene algunos datos de interpretación------

Una historia cargada de simbolismos, narrada de manera poética e hipnótica, que nos atrapa de principio a fin.

Lejos de mantener una estructura clásica, Innocence es una película que rompe esquemas, y aunque por momentos sea abstracta, responde todas las incógnitas que se presentan en la trama. La estructura clásica cinematográfica aporta un sistema de convenciones semióticas que son reconocibles, y permite que cualquier espectador encuentre el sentido último de la historia y sus connotaciones. Generalmente el espectador busca esta estructura cuando mira una película, y si no encuentra los símbolos, la considera inconclusa. En este caso, la directora deposita toda la información necesaria para responder las incógnitas relevantes de la historia, lo que el espectador debe saber encontrar, son dichas incógnitas. No es una película compleja de entender. Utiliza simbología universal y trata temáticas tangibles y contidianas, fácilmente identificables por el espectador. Lo que despista tal vez, es el disfraz onírico y fantástico, para transmitir un mensaje crudo y real.

Este es el 1er largometraje dirigido por Lucile Hadzihalilovic, colaboradora -y esposa- de Gaspar Noé. Anteriormente había dirigido cortometrajes, y éste fue su debut definitivo en el cine.

Hay una clara inspiración en la película "Picnic at Hanging Rock" de Peter Weir, estéticamente hablando. Las niñas vestidas de blanco en el bosque, y la tensión en la inmensidad y la hermosura de la naturaleza. Elementos naturales como símbolos, el agua, la mariposa, la serpiente, que invaden constantemente la pantalla bombardeando información. También podemos encontrar reminicencias a películas como "Badlands" y "Les Moissons du Ciel" ambas de Terrence Malick, títulos imperdibles si les interesa la estética que encontramos en Innocence.

El sonido no es un punto menos importante en este cuadro en movimiento, ya que es la variable que impone el clima y el contexto. A pesar de las imágenes coloridas y vibrantes, los sonidos naturales del bosque nos generan una sensación turbia de peligro y tragedia, y sostiene un suspenso constante.

El elenco de esta película, formado al 100% por mujeres, es impecable, desde las interpretaciones de las niñas, hasta la participación de Marion Cotillard ("La Vie en Rose"; "Midnight in Paris") como la profesora de ballet.

Lucile ha comentado en entrevistas que ésta es una historia con tintes autobiográficos, y confiesa haber encontrado en Frank Wedekind los elementos para hacer una película fuerte e interesante. Sin dudas logró eso y mucho más. Siendo de esos films que se quedan en la cabeza del espectador por semanas, generando teorías y reflexiones, estimulando la imaginación, la crítica a la sociedad, los recuerdos personales...

Innocence, es un retrato atemporal, universal y poético sobre la atemorizante experiencia de crecer. La metamorfósis y el ciclo de la vida, el miedo a la muerte, y los misterios de la niñez, la belleza y la perfección.

[Pony-Puntaje> 9]

El Día Que No Nací

2011-10-03T11:43:00.000-07:00

festival de cine alemán

El vuelo de María, una joven alemana que viaja rumbo a Chile, hace escala en el aeropuerto de Ezeiza, Buenos Aires. Durante la espera en la zona de pre-embarque, María escucha a una mamá argentina, cantarle a su bebé una canción de cuna. La vida de María se ve fuertemente perturbada en el instante en que ésta reconoce la canción, como un recuerdo inexplicable. En medio del shock, María pierde el vuelo a Chile, y sin planearlo, se encuentra varada en Buenos Aires, una ciudad en la que supuestamente no había estado antes.

Ésta es la ópera prima de Florian Micoud Cossen. Una co-producción entre Argentina y Alemania, filmada casi en su totalidad en la ciudad porteña de nuestro país. Florian estudió cine en distintos países europeos y una beca lo trajo hasta la Universidad del Cine de Buenos Aires. Vivió acá por 2 años, tiempo en el cual se enamoró de nuestra ciudad y su historia, y se propuso filmar su primer largometraje teniéndola a ésta como escenario principal.

Trata aquí el tema de los hijos de desaparecidos durante la dictadura militar en Argentina y el robo de identidad. Haciéndolo de manera profesional y sensible, sin caer en el melodrama ni la condescendencia, como ya ha pasado en muchos otros films que tocan la misma temática.
Florian se anima a retratar el momento en que a María se le revelan secretos guardados durante años, y su manera de afrontarse a ellos.

Filmando Buenos Aires con la mirada de quien la visita por primera vez. Una ciudad caótica y enigmática para los ojos primerizos. Florian permite a través de su película, que nosotros, que la vemos, y la caminamos todos los días, podamos redescubrirla.

"El Día Que No Nací" (o "La Canción Dentro De Mí", traducción literal del título original) es un claro homenaje a nuestro país, mientras que a la vez proporciona una gran película en sí misma, narrando una historia en un contexto particular pero desde un punto de vista universal. Esta habilidad refleja el profesionalismo con el que se llevó a cabo el proyecto, impecable en todos sus aspectos.
La entrega de sus realizadores hacia la película es evidente, y es la causa principal de tan bien logrado producto.

La banda sonora original, obtuvo premios en Alemania, así como Beatriz Spelcini, actriz secundaria argentina.
Todos los actores en general, hacen un trabajo espectacular en sus papeles, cargando de emoción y realismo a cada una de las escenas.
Jessica Schwarz (María) despliega una interpretación movilizante de su personaje, que logra con su búsqueda, una empatía profunda con el espectador. Tiene además muy buena química con su colega argentino Rafael Ferro, que interpreta a un policía que ayuda a María a desenterrar su pasado.

Personalmente, habiendo visto 8 películas del festival de cine alemán, creo que ésta fue la mejor. No tengo maneras de describirla para que se entienda mi impresión. Simplemente lo que me hizo sentir la película, la eleva sobre muchísimos otros títulos, que por más parafernalia técnica, nunca podrían conseguir.

Un debut insuperable de Florian Micoud Cossen. Habrá que seguir sus pasos de cerca. Promete cine de calidad y sentimiento.

[Pony-Puntaje> 9]

Poll

2011-09-23T13:53:00.000-07:00

Basada en hechos reales, "Poll" narra un momento en la infancia de Oda Schaefer (1900-1988) quien más adelante se convertiría en una de las más famosas poetisas de su época.

Oda acaba de perder a su madre en Berlín, y viaja a Estonia para encontrarse con su padre, quien ha formado una nueva familia. Tiene solo 14 años, y debido a la hostilidad que la rodea, se refugia en su diario, donde escribe pensamientos y poemas.
A principios del siglo XX, durante el comienzo de la primera Guerra Mundial, la tensión crece entre los rebeldes estonios y lituanos, los alemanes que temen perder su poder, y los rusos que intentan dominar la zona. Un día Oda encuentra a un anarquista enfermo cerca de su casa y decide ayudarlo en secreto. Esa desición, cambiará su vida para siempre.

Chris Kraus es un autor y director de cine alemán que debutó en el '99 con su ópera prima "The Einstein of Sex.
Su última película, que en nuestro país la presenta el Festival de Cine Aleman como "Los Dairios de Poll" es un largometraje impecablemente realizado que sobresale por su fotografía y el perfeccionismo con que fue llevada a cabo para dar como resultado un producto insuperable, que desborda virtuosismo, talento y pasión.
Nos encontramos frente a una superproducción alemana, con excelentes efectos especiales, maravillosa adaptación de la época, y un inmejorable diseño de vestuario.

La bella Paula Beer interpreta a Oda, con una naturalidad y un talento apabullante, que haría temblar a cualquiera.

La fotografía es imponente, como esa casa que se levanta sobre el mar y sirve de escenario para las más hermosas escenas. Los atardeceres a través de las ventanas, las tomas aéreas que nos hacen flotar sobre el paisaje, Oda, en su vestido blanco, cabalgando por el bosque... Cada segundo de esta película es un cuadro que contemplamos con placer y desconcierto; y aunque la trama sea también morbosa y perturbadora por momentos, nada supera a la belleza que invade la pantalla.

La tensión aparece y desaparece, descolocándonos deliberadamente, debido al contexto de hostilidad constante en el que Oda atravesaba sus 14 años. Su contacto con la muerte es vertiginosa y a la vez inspiradora. La poesía invadía sus memorias entre tanto caos a su alrededor.
La relación que entabla con Schnaps (el anarquista) es preciosa, y en ella recae gran parte de la carga sentimental del film.

Ojalá se estrene en las salas comerciales porque es una película imperdible.

Lo más: La fotografía
La escena: La primera vez que aparece en escena esa casa sobre el mar, es inolvidable...
Lo menos: -

[Pony-Puntaje> 9]

ella no es una niña, es Napoleón

Pearl Jam Twenty

2011-09-22T13:16:00.000-07:00

Luego de "Elizabeth Town" no se supo nada de Cameron Crowe en cuanto a nuevos estrenos.
Se hizo extrañar... al menos para los que seguimos su filmografía.
Su ausencia se debe a que el director estuvo dedicado a la realización de un documental sobre Pearl Jam, que al fin llega a nuestro país, en forma de funciones especiales, este 23, 24 y 25 de Septiembre, de la mano de Showcase.

La banda cumple 20 años y Crowe se propuso festejarlos con una película que conmemore el camino recorrido de estos pibes, con los que además tiene una fuerte amistad.
Por aquellos años en los que Cameron escribía para la Rolling Stone, entabló relación con los integrantes de la banda y se mantuvieron en contacto a lo largo de estos años. Pearl Jam forjó una exitosa carrera musical y ésta es la oportunidad que tenemos para verla a traves de los ojos de este realizador que ya hace tiempo demostró su amor por la música.

Tanto tiempo, tiene que valer la pena...
Yo ya tengo mi entrada =)

entre las cosas que leí sobra la película:

"[...] dejando al espectador con muchísimas ganas de ver a Pearl Jam en vivo"

peligroso para mi tarjeta de crédito - jaja

Se consiguen acá, y hay POCAS FUNCIONES.
hurry up-

La Vida Nueva

2011-09-22T12:16:00.000-07:00

"La Vida Nueva" se sitúa en un pueblo de Buenos Aires donde no pasa nada.
Laura, interpretada por Martina Gusmán, es una pianista frustrada que se limita a dar clases de piano y a arrepentirse en silencio de no haber sido los suficientemente valiente para irse del pueblo cuando aún podía hacer algo con su talento. Espera un hijo con su marido, Juan (Alan Pauls), pero su relación de pareja está al borde del abismo, en medio del paisaje monótono y la rutina diaria.
Debido a un incidente en el pueblo, aparece en escena un tercer personaje. Benetti, interpretado por Germán Palacios. Es el punto de quiebre de la frustrante estabilidad en la vida de Laura y Juan. Benetti es un viejo amor de Laura, pero más que eso, es la prueba tangible del bienestar que hay afuera. Vuelve de Buenos Aires, desde donde habría forjado una imagen utópica de éxito para los ojos de todos los habitantes del pueblo.

La historia recae fundamentalmente en Laura, quien frente a todas las situaciones que se desencadenan en la trama, debe tomar elecciones y encaminarse hacia un nuevo destino.
Distintas experiencias ponen a prueba a los personajes, desafiando su moral y su escencia.
Es una película humana y su propuesta es interesante, aunque el resultado final deja un sabor amargo.
El problema principal es un guión desacertado y un montaje forzado, que intenta narrar la historia saliendo del orden cronológico natural de los hechos, con la única intención de romper esquemas, pero no porque la historia lo requiera.
Esto genera una incomodidad en el espectador que se mantiene el 80% de la película tratando de deducir a qué se deben estos cambios sutiles de tiempo en la narración. Al no poder entender completamente qué está sucediendo, (aunque se mantiene en la mente la noción de que más adelante se entenderá) los diálogos parecen más forzados de lo que realmente son. Las escenas se construyen de manera tosca, con pausas innecesarias, tiempos demasiado lentos, reacciones impredecibles por parte de los personajes y siempre cargadas de una tensión a veces inexplicable.
Santiago Palavecino, además de dirigir en esta oportunidad, coescribió el guión con Alejandro Fadel, Santiago Mitre y Martín Jáuregui. Ésta es su segunda película, habiendo debutado en el 2005 con Otra Vuelta. Contó para "La Vida Nueva" con la producción de Pablo Trapero.

Martina Gusmán está bastante bien en su papel, aunque la torpeza del guión no le permite lucirse. Su interpretación es natural, pero no así los diálogos que le fueron encomendados. Pero lo más notable es la falta de química con su compañero de elenco, Alan Pauls, quien incluye en su papel ese modismo extraño que tiene para expresarse siéndole imposible construir un personaje identificable. No logramos ver realmente el amor que debería sentir Juan por Laura, ni la profunda crisis que sufren entre ellos. No sentimos su miedo de perderla, ni el pánico que le genera la situación en la que se encuentra, aunque sabemos que debería estar ahí únicamente por los diálogos que sirven como una guía literal para entender la historia que se está contando.
Los personajes no tienen especial profundidad aunque la historia lo requiera. Tal vez la hayan tenido en la construcción original de los personajes, pero no se encuentra en pantalla. Esto se puede deber a la dirección de Santiago Palavecino, o al desempeño de los actores.
Alan Pauls tiene una manera muy superficial de interpretar a su personaje, que dentro de la historia, es el más introvertido, y el más movilizado por los hechos que ocurren. Es el que está más presente y más activo en las acciones, siendo consciente de casi todo lo que pasa, mientras que los demás personajes están sometidos a su entorno. Creo que su papel tenía una carga extra de exigencia que el resto, y no parece haberlo explotado.
Germán Palacios está muy bien en su papel del joven rockero del pueblo que se animó a irse a la capital y hacer su vida, pero se mantiene algo ausente del drama central. Pareciera ser un personaje crucial, pero al final, simplemente cumple.
La película permite ver claramente cuales eran sus necesidades pero evidencia el hecho de no haberlas encontrado. Es una historia sencilla, que se intentó narrar de manera complicada, cuando solo necesitaba de apasionantes actuaciones, y no las tuvo.
Es un claro ejemplo de la importancia de un montaje sólido que haga fluir al espectador a lo largo de la película generando una conexión con los personajes y las acciones, y no en cambio, obligarlos a esforzarse por encontrar la coherencia.
Cuando el montaje está bien logrado, ni siquiera notamos su importancia, pero en casos como éste, nos encontramos frente a la confirmación de que el montaje es el lenguaje cinematográfico que todo cineasta debe manejar con virtuosismo. Cuando algo falla en el montaje, toda la película se desmorona.

Más allá de estas falencias, la película tiene algunos puntos fuertes, como la excelente fotografía que mantiene su nivel a lo largo de todo el film, con planos detalles bellísimos, hermosas escenas nocturnas y paisajes que transmiten en el silencio y la inmensidad, incluso más que los personajes con sus gestos y miradas. Se eligió muy bien el contexto en que transcurriría esta historia, siendo el campo, el río, el cielo y los animales, factores decisivos para el estado anímico y el sentimiento que se intenta expresar. El vértigo del puente sobre el agua, la oscuridad de la noche en el campo, la lluvia fría sobre los vidrios, las casas amplias y desoladas, todos esos detalles nos permiten empatizar con los personajes.

La más grata sorpresa que me llevé en la proyección de esta película, fue Ailín Salas, quien interpreta a Sol, la alumna de piano de Laura. De belleza exótica y talento natural para la actuación, Ailín participó en otros títulos de cine nacional como "XXY", "El Niño Pez" y tuvo un papel importante a los 14 años en la segunda película de Pablo Fendrik, "La Sangre Brota". Recomiendo prestarle atención a la carrera de esta joven actriz, que promete.

"La Vida Nueva" es un buen intento de cine, pero que no alcanza el impacto deseado. La historia de vida de Laura, y sus ganas de salir de ese pueblo, podría habernos llegado al corazón, pero se pierde en la sala de cine...

Lo Más: La fotografía
La Escena: Laura llevando los animales al corral en la noche, no es de gran importancia para la trama, pero es estéticamente inolvidable.
Lo Menos: El guión

[Pony-Puntaje> 4]

Novedades: PINA 3D

2011-09-21T13:24:00.000-07:00

Las dos funciones pertenecientes al festival de cine alemán, están totalmente agotadas.
Pero se comunicó que el estreno comercial de la película, en los cines locales, será el 6 de Octubre... Solo habrá que esperar unas semanas para verla =)

Recomendaciones Festival de Cine Aleman

2011-09-21T10:54:00.000-07:00

Este año el festival propone una serie de películas del más actual cine independiente alemán, con opciones variadas y tentadoras.
Films ganadores de premios, directores reconocidos, trailers atrapantes, e historias que alimentan nuestra curiosidad.
Estas son mis recomendaciones (sin haberlas visto todavía):

Tres: Dirigida por Tom Tykwer. Un director que luego de presentar la aclamada película alemana "Corre Lola Corre" (que si no la vieron, es altamente recomendable), pasó a Hollywood para adaptar la novela "El Perfume" a la pantalla grande, y luego dirigirlo a Clive Owen en "The International".
"Tres" es la historia de como una pareja se desequilibra con la llegada de un tercero a sus vidas. Un hombre del cual ambos se enamoran.
Podría explayarme un poco más con la sinopsis pero nunca lograría captar más su atención, que con este fabuloso trailer:

Pretendo encontrar en ella, excelente fotografía, y una mirada distinta sobre un tema que tal vez ya se haya tratado mucho en el cine, pero por alguna razón, creo que Tom Tykwaker nos tiene preparada una película única.

Se proyecta el Vie 23: 17.30hs / Sab 24: 24.30hs / Lun 26: 22.30hs

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Quién sino nosotros: Ambientada en los 60, chicos rebeldes que escriben palabras de enojo en una máquina de escribir, romance sin límites, juventud, ideología y las consecuencias de todo lo anteriormente citado. Vean el comienzo del trailer: no me perdería la película aunque solo fuera por esa escena en el auto.

Se proyecta el Vie 23: 20.00hs / Dom 25: 22.30hs / Mie 28: 17.30hs

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El día que no nací: Camino a Chile, María, Alemana de 31 años, debe parar en Buenos Aires, donde escucha por casualidad una canción de cuna que, para su sorpresa, reconoce. Cambia de planes perturbada por esta especie de dèja vu y sin quererlo, desentierra un secreto familiar guardado durante años.

La particularidad que tiene esta película es que su historia se centra en Argentina. Puede llegar a ser interesante conocer el punto de vista sobre la dictadura militar en nuestro país, de un realizador israelí que curso sus estudios cinematográficos en Alemania.
Rodada en Buenos Aires, con algunos actores locales, y hasta un muñeco del Topo Gigio.

Acá el trailer para que vean alguna imágenes.

Se proyecta el Vie 23: 24.30hs / Sab 24: 20.00hs / Mie 28: 20.30hs

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Pina: La joyita del festival es un documental de danza en 3D sobre la reconocida coreógrafa Pina Bausch quien falleció en enero del 2009.
Esta proyección promete una experiencia única, con la primer producción en 3D de cine de autor.
Escrita y dirigida por Win Wenders, quien carga con una extensa carrera: El miedo del arquero al tiro penal (1971), Alicia en las ciudades (1973), En el curso del tiempo (1976), El amigo americano (1977), Hammett (1982), El estado de las cosas (1982), París, Texas (1984), El cielo sobre Berlín (1987), Hasta el fin del mundo (1991), ¡Tan lejos, tan cerca! (1993), Historias de Lisboa (1994), El final de la violencia (1997), Buena Vista Social Club (1998), Palermo shooting (2008) entre otras...
Las imágenes que se pueden ver en el trailer son cautivantes.
Para la única función que había ya no quedan más entradas, pero posiblemente agreguen otra.
Prometo avisar cuando me entere.

Se proyecta el Lun 26: 20.00hs

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Las entradas se pueden comprar online entrando acá.
También están vendiendo abonos por 6 ($140) o 10 ($224) películas que solamente se consiguen en las boleterías del Village Recoleta.

Programación Completa

-perdón por los trailers sin subtítulos, imposible conseguirlos, son películas muy actuales y de poca difusión-

Festival de Cine Aleman 2011

2011-09-20T15:00:00.000-07:00

Se viene la edición nº 11 de este Festival que se hace en el Village Recoleta.

Apúrense a conseguir sus entradas, hay títulos interesantísimos para ver!

Estos días algunas recomendaciones, y el Jueves arranco con la cobertura! =)

"Just Kids" al cine

2011-09-15T08:30:00.000-07:00

Ya hace unos meses comenzó a circular por la red los rumores de que el libro de memorias de Patti Smith "Just Kids" se llevaría al cine.
Los primeros nombres relacionados con este proyecto fueron Charlotte Gainsbourg y James Franco, quienes aparentemente interpretarían a los protagonistas de la historia.
Los rumores se fortalecen ahora que la misma Patti Smith estaría involucrada en el proyecto, dedicándose a la adaptación del guión, con la colaboración del guionista John Logan ("Gladiador", "El Aviador")

En "Just Kids", Patti Smith narra en primera persona la apasionada relación que mantuvo con el fotógrafo Robert Mapplethorpe, hasta la muerte de éste en 1989, dentro del marco del Nueva York de los 60. Un amor que se transformó en amistad incondicional a través de los años, mientras juntos veían pasar por su vida, personajes que cambiarían la historia del arte como Andy Warhol, Bob Dylan, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Allen Ginsberg, y tantos otros.
El amor que se tuvieron entre ellos fue igual al amor que ambos tuvieron por el arte. Vivieron en base a eso, toda su vida.
En el 2010 el libro recibió el premio National Book Award en la categoría de no ficción, y tuvo una increíble recepción del público.

*A mí me cambió la vida - espero una gran película

Howl

2011-09-13T10:24:00.000-07:00

En 1957 el poeta Lawrence Ferlinguetti de la librería y editora independiente "City Lights", publicó el libro de poesía "Howl and other poems" de Allen Ginsberg. Debido a la crudeza del lenguaje, lo sexualmente explícito y las abiertas referencias a la homosexualidad, "Howl" despertó polémica y Ferlinguetti, y el gerente de la librería Shigeyoshi Murao, fueron arrestados por difundir literatura obcena. Estuvieron en juicio durante ese año, representados por el abogado Jake Ehrlich, quien eventualmente logró que el juez dictaminara que "Howl" poseía importancia social redentora y anulara los cargos por obscenidad.
Este acontecimiento disparó la popularidad del poema y de Allen Ginsberg, considerado hoy como uno de los más destacados poetas de la generación Beat, junto con Jack Kerouac y William S. Burroughs.

La película se centra en el poema, y espía el juicio de cerca pero desde afuera. Prácticamente desde la posición del autor. Allen no participó del juicio, pero era su obra la que estaba siendo juzgada, la que se encontraba dentro del dilema de poseer o no, mérito literario.
Nos ofrece la posibilidad de conocer el trasfondo de la literatura de Ginsberg, para entenderla, para apreciarla más profundamente. Conocer el artista detrás de la obra, cuando "Aullido" es el resultado de la expresión de una persona, completa, compleja, y única. De hecho, es la expresión de un personaje fascinante, y este largometraje lo expone sinceramente ante el espectador y ante el lector.
Un hombre que se enamoraba fácilmente y que hallaba inspiración en sus amigos artistas, y en la dureza de la vida de una generación testigo de la extrema división social, la ignorancia, la violencia y la censura. A pesar del infierno en que vivía, y el infierno que recreó en sus poemas, la película nos muestra también la calidez de su persona, y la calidez que traspasaba al papel por medio de su máquina de escribir.
James Franco interpreta a un Allen Ginsberg desenfadado, sensible y sincero, que busca la libertad por sobre todas las cosas. La libertad de crear y la libertar de amar, aunque probablemente para él hayan sido la misma cosa.
Flaquito y hippie, detrás de sus anteojos gruesos y de marco negro, Allen recitó sus primeros poemas ante amigos y artistas vagabundos en sótanos de Nueva York. Escribía para él mismo, intentando ser real, utilizando su propio lenguaje sin adornarlo de ninguna manera, considerando que mientras la poesía fuera sincera, no necesitaba de ningún otro mérito.
El trabajo que hace James Franco en la interpretación es admirable, alcanzando incluso sonar como él durante las lecturas de sus poemas. Su acento, sus movimientos, hasta su mirada. No cabe duda que James Franco es uno de los mejores actores de su generación, y es genial que acepte papeles como éste. Personalmente creo que tiene una luz especial, y en este caso se incrementa por el hecho de estar encarnando a una persona que iluminó no solo a una generación entera, sino a todas las que pasaron por su obra, y a todas las que pasen en el futuro. Allen Ginsberg es una fuente de luz inagotable que no se apaga a pesar de su muerte en 1997, y que probablemente nunca lo haga.

La película es fiel a la magia del personaje que retrata, contando su historia con respeto y pasión por la obra de este artista tan especial, que cambió la historia de la literatura sin hacer ni el más mínimo esfuerzo.
Fue él mismo y nada más.

Los poemas son recitados en la película acompañados de imágenes animadas, realizadas por el novelista gráfico y pintor Eric Drooker, quien fue amigo personal del poeta, habiendo colaborado anteriormente con él, en el libro "Illuminated Poems".
La película incluye también escenas de la vida personal de Allen, específicamente de su juventud, representadas en blanco y negro, ambientadas en el Nueva York de los 50; y el juicio, filmado en color, donde se exponen las distintas opiniones que despertó el poema en su momento, y los argumentos para considerarlo o no, una obra obscena. En esta cara del film se destacan los discursos del abogado defensor, siendo de los mayores méritos que tiene la película, ya que apreciar el poema, podemos hacerlo leyendo el libro, pero la manera que tuvo Jake Ehrlich de defender la libertad de expresión, probablemente no podamos apreciarla mejor de lo que lo hacemos al mirar "Howl".

Rob Epstein y Jeffrey Friedman hicieron un gran trabajo en la realización de este biopic, de excelente ambientación, fotografía alucinante y un enfoque más que acertado a la hora de contar la historia.
Podría verla una y otra vez, como podría leer "Aullido" una y otra vez.

Lo Más: los detalles del hombre que fue Allen Ginsberg, su pasado, sus amores y su inspiración.
La Escena: "Nota al pie de Aullido"
Lo Menos: para apreciarla como película hace falta haber leído el libro, o al menos estar interesado en la poesía.

[Pony-Puntaje> 9]

Let there be light. Let there be honesty

Holy the supernatural extra brilliant intelligent kindness of the soul

Es un placer encontrar películas como ésta, que hacen justicia a obras literarias que han despertado tanto amor en sus lectores y tantos cambios en el mundo.
Puede que no seamos del todo conscientes, pero el mundo en el que vivimos realmente no es el mismo después de 1957, no es el mismo después de Aullido.

-Aprovecho para recomendar la fascinante literatura del hippie en cuestión. Allen Ginsberg-

A full... (2da parte)

2011-09-06T12:20:00.000-07:00

Loverboy [Joan Micklin Silver - Comedia - EE.UU. - 1989]
En el top ten de "películas estúpidas de los ochenta" ésta tiene un puesto seguro...
Es una buena opción para un domingo realmente inútil y aburrido, porque tiene su dosis de entretenimiento.
Durante las vacaciones de verano, Randy empieza a trabajar en una pizzería, y debido a un mal entendido, comienza a ser solicitado para una tarea clandestina: satisfacer los deseos de mujeres infelizmente casadas, respondiendo a la contraseña de "una grande de anchoas".
(jajaja) wtf? esas ideas solo salen de cerebros ochentosos...

[Pony-Puntaje> 4]

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Submarine [Richard Ayoade - Comedia Romántica Adolescente - EE.UU. & UK - 2010]

Una historia rarita de personajes raritos. Basada en un libro que seguramente es mejor que la película, y musicalizada por el Dios de los adolescentes de onda british: Alex Turner (cantante de los monos árticos) Es una película que vale la pena por muchos momentos y detalles inolvidables, pero que peca demasiado de snob, cayendo en la huída de los clichès, que a esta altura, ya es un clichè en sí misma.

Es muy recomendable, aunque tal vez mi impresión final no sea la mejor. Creo que despierta variadas opiniones, todas válidas aunque opuestas, pero me hace un poco de ruido la obviedad de que serán de las películas mejor criticadas de los últimos años, por los fanáticos de las converse con la bandera de Inglaterra. Hay mucho contenido adolescente con el que identificarse, bien tratado, buenos diálogos, genial fotografía, personajes adorables y otros no tanto, gracias a Dios (me refiero al Universo, no a Alex Turner), mucha niebla, música invernal, y muchos detalles, algunos molestos y otros aplaudibles (existe esa palabra?)

[Pony-Puntaje> 7]

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También la Lluvia [Icíar Bollaín - Drama - España - 2010]

Una película que sorprende desde la profundidad de su trama. Con un clima constante de tensión inexplicable se exterioriza un mensaje movilizante y humano. Una muy buena película protagonizada por Gael García Bernal, que emocionaría a cualquiera.

Una ficción que demuestra que a veces la realidad, supera a la ficción. Paradójica, original, y efectiva.

[Pony-Puntaje> 8]

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When You're Strange [Tom DiCillo - Documental - EE.UU. - 2009]

Excelente documental sobre The Doors. Originalmente narrada por el mismo DiCillo, pero luego la voz en off fue re-grabada por Johnny Depp, aumentando así la calidad final de la cinta.

Para enamorarse de la música, y del personaje inigualable que fue Jim Morrison.

Un documental que no se queda cómodo en la calidad misma de la historia que está contando, sino que se esfuerza también por mantener un nivel admirable de cine.

[Pony-Puntaje> 7]

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Un Cuento Chino [Sebastián Borensztein - Comedia - Argentina - 2011]

La última película que se estrenó protagonizada por Ricardo Darín, es una comedia efectiva por momentos, pero narrada con un ritmo que perjudica el resultado de la misma. Es graciosa pero muy lenta, ok? más fácil...

El personaje de Ricardo Darín es difícil de digerir, porque no es un ortiva querible, sino un tipo bastante forro que tarda mucho (y esto también se debe al ritmo) en cambiar con las experiencias que se le presentan, y volverse más agradable.

Tiene muchas cosas que arrancan risitas... está bastante bien, pero... bueno.. no es la gran cosa...

[Pony-Puntaje> 6]

A full... (1ra parte)

2011-08-30T09:59:00.000-07:00

A Mighty Heart (Un Corazón Invencible) [Michael Winterbottom - Drama/Biopic - EE.UU. - 2007]
Winterbottom tiene una habilidad particular para contar historias, y "A Mighty Heart" es una demostración más de ello.
Basada en las memorias de Mariane Pearl, esposa de un periodista secuestrado en Karachi, Pakistan en 2002; ésta es la historia de su búsqueda, y de la fortaleza de una mujer que mueve cielo y tierra para encontrar a su marido mientras mantiene su propia entereza.
Una llamativa interpretación de Angelina Jolie, que hace de francesa, con una permanente bastante creíble (jaja)
Winterbottom definitivamente se lleva todos los méritos, gracias a su capacidad de crear climas, recrear tensión con las imágenes más cotidianas, y emocionarnos con historias reales y tangibles.
Una película 100% humana, y muy recomendable.

[Pony-Puntaje> 7]

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Sur [Pino Solanas - Drama - Argentina - 1988]

Hermosa fotografía y excelente música (Astor Piazzolla y Tangos interpretados por Roberto Goyeneche) Ganó numerosos premios, incluidos el gran premio Coral al mejor Film (WTF?!) en realidad es bastante mala. Parece un trabajo práctico de un estudiante (aunque avanzado) de diseño, imagen y sonido; que además cursa alguna carrera o toma mate con alumnos de la facultad de sociales. Perdón Pino, yo se que te gastaste fortunas en alquilar máquinas de humo para ambientar Barracas, pero no parece nieblaaaa!

Entre las pocas razones para verla se incluyen: nostalgia, y mera curiosidad.

[Pony-Puntaje> 4]

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Rise of the Planet of the Apes (El Planeta de Los Simios: Revolución) [Rupert Wyatt - Ciencia Ficción - EE.UU. - 2011]

Ni con James Franco la salvaron. Y de hecho él protagoniza las escenas más boludas de esta entrega de la saga, que aunque digan que no tiene nada que ver con las anteriores: -Dale, es el planeta de los simios mother fucker, tiene todo que ver con las anteriores!-

Si esperan una historia entretenida y con bastante acción, (al menos tengo ese vago recuerdo de estos monos que hablan) no vayan a verla... se encontrarán en cambio con una historia soft sobre la relación de un monito que no se siente ni simio, ni humano, le gustan las galletitas con pepitos de chocolate, y ser el popular de la clase; con un científico al que considera su padre. (ah bue, un poco caliente lo mío).

James Franco le enseña lo que es el amor, y le da la mamadera cuando es chiquito.. si, un divino (?) lo trata como a su hijo adoptado que tiene que confesarle en algún momento que él no es su verdadero padre.. pffff

[Pony-Puntaje> 4]

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Il Cielo Cade (Cuando El Cielo Cae) [Andrea & Antonio Frazzi - Italia - Drama - 2000]

Una película italiana cuya historia transcurre durante la 2da guerra mundial, y tiene como protagonista a una familia judía, sobre todo sus dos más recientes integrantes, Penny y Baby, 2 niñas criadas bajo conceptos cristianos, que acaban de perder a sus padres. De una belleza poética, con planos hermosos de niños corriendo por los bosques de Toscana, y una atmósfera de tragedia que envuelve todos los días de esta familia amorosa. Me reí de ternura, y lloré de tristeza.

[Pony-Puntaje> 7]

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Balls Of Fury (Pelotas en Juego) [Robert Ben Garant - Comedia - EE.UU. - 2007]

eeemmmm una película muy tonta que es sólo aceptable verla un sábado a la noche por cable en la casa de tu abuela. Y está Christopher Walken. (?) Lo único gracioso son las escenas torpes del protagonista Dan Floger. La verdad, muy mal contada la historia, no se entiende el avance de los personajes, no mantiene correlación: en un momento se odian, y de golpe la minita china q está re buena y juega al ping pong como los dioses se enamora del gordito loser que hace 5 minutos cagó a patadas...

[Pony-Puntaje> 3]

On The Edge

2011-08-23T16:11:00.000-07:00

On The Edge es el tercer largometraje dirigido por John Carney, estrenada en el 2001. (5 años más tarde llegaría un poco más a los corazones del público con su sensible "Once".)

Cillian Murphy acapara toda la atención con su personaje principal, Jonathan Breech. Un joven de 19 años con tendencias suicidas, que acaba en un hospital psiquiátrico con el meñique roto, después de haberse tirado por un acantilado junto a las cenizas de su padre, fallecido el día anterior.

En este lugar, Jonathan atravesará distintas situaciones que, no es nada difícil de deducirlo, cambiarán su vida.
Allí conoce a sus compañeros de terapia, tan, o más trastornados que él; que desde su propio punto de vista algo distorsionado del mundo, lograrán aclararle las ideas a este sexy rebelde sin causa.

La relación que mantiene Jonathan con su terapeuta es una copia absoluta de la relación entre Robin Williams y Matt Damon en "Good Will Hunting" LISA Y LLANAMENTE. Por suerte la película no ronda esta relación, sino la del protagonista con otra de las pacientes, Rachel, interpretada por Tricia Vessey. Ella es tan hermosa, que la película suma puntos por lo hipnótico de su belleza.

La película comienza con una gran canción (1979 - Smashing Pumpkins) y se sostiene a partir de ahí con buena música, y valorables interpretaciones.

Siempre es un placer ver actuar a Cillian Murphy, pero su personaje tiene tantos cliches a lo Jeams Dean que pueden causar molestia...

La trama no se distingue por nada en particular de todos los dramas de la época, a no ser por un par de detalles que le terminan haciendo justicia.

No llega a ser mala, pero no es para nada imprescindible. Probablemente algún día la agarren un domingo en algún canal de aire.

La vi ayer, y ya estoy olvidando cosas... eso es una señal a tener en cuenta...

Es decepcionante, porque hay cosas de la película que no quisiera olvidar...

"Isn't it a relief to be alive? "

Lo más: Cillian Murphy (es muy buen actor)

La Escena: Abair do phaidreacha agus codladh sámh
Lo menos: demasiadas cosas trilladas, es una película olvidable.

[Pony-Puntaje> 6]

No hay una fucking imagen decente en internet-

OnTheEdge por

Unmade Beds

2011-07-29T10:46:00.000-07:00

Unmade Beds es el segundo largometraje dirigido por Alexis Dos Santos. Realizador argentino radicado en Londres, que debutó en el cine con Glue (un retrato íntimo de la adolescencia en un pueblo de la patagonia, que actualmente se puede encontrar en la programación del Malba).
En esta oportunidad, Alexis vuelve al tema de la juventud (ahora veinteañeros viajeros con todo el mundo por delante) y cambia de escenario. Se sitúa en Londres, sin dejar de sentirse un extranjero, y sigue la vida de dos jóvenes que no se conocen pero comparten el hecho de estar lejos de casa, adaptándose a una ciudad nueva y al universo enorme en que se convierte la vida cuando uno crece.
Fernando Tielve ("El Espinazo del Diablo") es Axl. Vivió toda su vida con su mamá en España. Su padre los abandonó cuando él era chiquito y ahora lo quiere encontrar en Londres. No le importa si tiene que dormir en una cama distinta todos los días, o si no tiene un lugar fijo donde quedarse. Pasa los días buscándolo, escuchando música con su ipod (en Glue era un walkman) y tomando cerveza con otros chicos de su edad. Cada vez que se emborracha a la mañana siguiente no recuerda absolutamente nada.
Déborah François ("L'enfant") es Vera. Una joven francesa que asume haber tomado las decisiones equivocadas en muchos momentos de su vida, y ahora intenta rearmarla en Londres. Conoce a un chico que le encanta. No quiere saber su nombre, ni su número de teléfono. Lo quiere volver a ver, pero con ese misterio es más divertido. Él dice cuándo, y ella dónde.

Unmade Beds es una combinación perfecta de sensibilidad y humor, que en partes iguales reflejan esos años de vida en que más sufrimos y más nos divertimos.
La película está llena de detalles inolvidables que la hacen única y especial. Alexis Dos Santos demuestra su virtuosismo para expresar sensaciones, crear personajes complejos y humanos, idénticos a todos nosotros, pero únicos como personas reales e individuales.
Alexis empezó a escribir Unmade Beds incluso antes que Glue. Desarrolló el guión durante 7 años. Tenía el deseo de retratar la Londres que él había vivido en sus años de estudiante, rodeado de gente de otras nacionalidades, los lugares en los que había estado, y las cosas que había escuchado. Sentía que ese mundo en el que él vivía no se veía en películas. Alexis se centra en esa juventud que vió al rededor suyo durante años, mientras vivía en una casa ocupada en el este de Londres. Una etapa efervescente y fugaz. Las fiestas, las camas desechas, la gente que va y viene...
Es evidente la carga autobiográfica que tiene la película, así como en Glue, podemos encontrarlo al director en el personaje principal. Flaquito despeinado, con auriculares y un montón de mambos existencialistas adolescentes. Vera funciona como una salida de sí mismo. Mientras que Axl es él, Vera es otra parte de la juventud, con otra personalidad, con otra relación con el sexo (que desde la mirada de Axl es complejo y confuso), con otros miedos muy diferentes,y otras maneras de afrontarlos. Al incluir ese personaje, Alexis se abre a otras posibilidades y refleja la complejidad de una etapa, no solo por haberla vivido él mismo, sino reconociendo factores comunes que se aplican a todos. No importa cómo, o por qué.. pero crecer es complicado...

El manejo estilístico de la película me recordó a como Wong Kar Wai muestra Nueva York en "My Blueberry Nights". Los colores, la iluminación, y el universo urbano.
La dirección de arte, es impecable, y si la película no te llega por los personajes (aunque lo considero imposible) te entra por los ojos.
La banda sonora es otro punto a destacar, por la calidad y la originalidad. Conformada en su mayoría por bandas de la escena inglesa independiente, como (We Are) Performance, de Manchester; Black Moustache (la encargada del hitazo "Hot Monkey, Hot Ass"), Good Shoes, y Kymya Dawson, que hizo también la banda sonora de "Juno" que llamó mucho la atención en su momento...

*Es llamativa la carga emocional que tiene la película, la comprensión con la que Alexis retrata a los personajes y lo genuinas que son las problemáticas que éstos atraviesan. Después de haberla visto me vino a la mente "Os Famosos e Os Duendes Da Morte", no porque sean parecidas, sino porque Esmir Filho y Alexis Dos Santos parecen comprender desde el mismo punto a los jóvenes y recordar de manera nostálgica y fiel, sus propias vivencias.

Hay una película brasileña reciente que también habla de adolescencia y se la recomiendo enérgicamente. Se titula “Los famosos y los duendes de la muerte” y está dirigida por Esmir Filho. -Alexis Dos Santos

La música, el arte, los vinilos, las polaroids, la soledad, los amigos, el mundo, los vacíos, el vacío, los errores, el pasado. A veces parece que cuanto menos pasado tenemos, más inmenso es. Las fiestas, la ciudad, la noche, las luces, lo nuevo. todo lo nuevo. Vivir, estar vivo, es tan rápido, es tan corto el tiempo. El misterio, los besos, las camas que nos vieron dormir. Las fotos de las camas. El tocadiscos que toca solo un disco. La banda sonora de mi vida.

[Pony-Puntaje> 8]

Gracias cordobes, por conocerme con tan poco. Poco tiempo, pocos datos, pocas palabras. Pero me ves.

Resumen Multicultural

2011-07-25T13:42:00.000-07:00

Lords of Dogtown [Catherine Hardwicke - Biopic - EE.UU. - 2005]
Antes de caer en el pozo de Crepúsculo, Catherine Hardwicke tuvo un par de buenas experiencias con la dirección y creo que Lords of Dogtown es el mejor ejemplo.
La mítica historia de los Z-Boys, con guión del propio Stacy Peralta.
Surf, skate, buena música, y la hermosa California. (& Hetah <3)

[Pony-Puntaje> 7]

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Dogtooth [Yorgos Lanthimos - Drama - Grecia - 2009]

Una drama retorcido y atrapante como pocas veces se vio.

Una película distinta, para sentarse al borde del sillón, comerse las uñas, morderse el labio inferior (tipo: "na na, no lo puedo creer") saltar de la sorpresa, agarrarse la cabeza y después recomendársela a alguien para no sentirse solo en el mundo habiendo visto este film tan enfermito.

-: Madre, podrías pasarme el teléfono por favor?

(la madre le pasa el salero)

-: Gracias.

(la hija le pone sal a la comida)

WTF?!!!!

*Amigo cordobés que me recomienda películas que evidencian sus problemas mentales: gracias =)

[Pony-Puntaje> 8]

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Era Uma Vez [Breno Silveira - Drama / Romance - Brasil - 2008]

Una historia de amor que cualquiera podría relacionar con la trillada relación de Romeo y Julieta. La misma pasión, las mismas dificultades, la misma tragedia. Vale la pena verla porque Río de Janeiro no tiene nada que envidiarle a Verona. Y creo que esta película deja más que un nudo en el estómago de un amor imposible. Algo real que no se apaga después de los créditos finales.

Sigo sosteniendo que el cine brasilero tiene algo especial. Aunque ponga un pony-puntaje, la belleza de esta película es imposible de calificar.
al final la cagan con una elección muy pelotuda...

[Pony-Puntaje> 6]

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El Mismo Amor, La Misma Lluvia [Juan José Campanella - Comedia Romántica - Argentina - 1999]

Cómo explicar que desde que empezó esta película no pude creer lo genial que es el guión, y me reí como si hubiera visto 20 capítulos de Friends seguidos? Sí. Así de buena es.

Campanella se va al carajo. Darín es un actor de la concha de la lora. Y esta película es hermosa.

Véanla

[Pony-Puntaje> 8]

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Mary & Max [Adam Elliot - Animación - Australia - 2009]

Otra de las lindas experiencias que nos trajo Casa Yatay. Una excelente película animada que integró la programación del Bafici 2010. "En Mary and Max hay enfermedades, miserias varias, alcoholismo, suicidio, soledad, depresión, psicofármacos, abandonos y crueldades. Pero también hay amistad, calidez, ternura y mucho pero mucho humor de todos los colores"

Personajes entrañables, humor contagioso y amistad curativa.

Cine de calidad.

[Pony-Puntaje> 8]

Solo Contra Todos

2011-07-18T19:13:00.000-07:00

Luego de sorprender a todos con su polémico mediometraje "Carne", Gaspar Noé presentó su ópera prima "Seul Contre Tous", en el año 1998, que sirve como secuela de aquel primer bombazo de violencia y descontento con el que deleitó a los críticos en 1991.

Gaspar Noé transgrede desde el primer pie que puso en el circuito cinematográfico, y nunca frenó.

La trama sigue la vida de un hombre frustrado cuyos sueños no son más que metas inalcanzadas e inalcanzables; y su rol en la sociedad no es más que la de un pobre y despreciable carnicero que acaba de salir de prisión.
Con los años fue aprendiendo terribles lecciones que ahora lo persiguen todos los días de su vida, como pensamientos que se nos presentan a nosotros con su propia voz en off.
"No existe la moral, no existe la justicia" sostiene. Convence.
En cada escena, el personaje principal de este largometraje, argumenta sólida e irrefutablemente, sus teorías existencialistas que tocan (y de hecho traspasan) el límite del pesimismo.

Pero está Gaspar Noé solo ilustrando esas teorías como único mensaje de su ópera prima? o está llevándolas al extremo, más extremo posible, para así refutarlas?

"Solo Contra Todos" es una película que impacta desde su violencia brutal y su mirada sobre la vida, al menos la superficial. Está en nosotros interpretarla como mera provocación, o de cualquier otra manera.
La película admite distintas lecturas pero lo innegable es que Gaspar Noé es un virtuoso del cine contemporáneo.
El guión es exquisito y las herramientas de narración que utiliza se destacan por su originalidad. Maneja un lenguaje único, que deleita hasta crear una reacción de odio puro en el espectador o de admiración absoluta. O ambas a la vez.
Su manera de dirigir actores es ambiciosa y concreta, exprimiéndolos al máximo, creando personajes que se instalan en nuestra mente, manipulan nuestros pensamientos y desafían nuestra ética.
Hay un antes y un después en cada vez que vemos una película de Gaspar Noé.
Solo Contra Todos fue la que lo presentó. Con violencia pura. Con carteles que nos advierten lo que vendrá. En las escenas siguientes, y en el resto de su filmografía.
30 segundos para abandonar la película. Cuenta regresiva.
Nunca más utilizó ese recurso en ninguna de sus películas. Ya deberíamos haber estado avisados. En Solo Contra Todos lo hace claramente.
30 segundo reales, donde uno se pregunta si se anima a seguir mirando, o si prefiere dejar inconclusa una película tan increíblemente hipnótica como repulsiva.

Solo Contra Todos es un ejemplo de ese cine que existe desde hace mucho, pero que algunos ignoran. El cine que provoca sensaciones que toda la vida esquivamos. No queremos sentirnos mal. No queremos sufrir, no queremos fracasar, no queremos violencia, no queremos soledad. Ver una película como Solo Contra Todos implica vivir cada una de esas sensaciones que aborrecemos.
El cine como catalizador de extremos negativos existentes. Dejemos de negar que existen. Porque existen. Y el cine también los puede provocar, los puede mostrar y los puede crear.

Pasa en la vida
pasa en las películas
(pasa en la filmografía de Gaspar Noé) jajja

[Pony-Puntaje> 8]

Os Famosos E Os Duendes Da Morte

2011-07-13T14:18:00.000-07:00

Nunca escribí sobre esta película porque me dejó paralizada.
La vi en el Bafici 2010.
Me acuerdo que llegué tarde a la función y tuve que sentarme en las escaleras. La primer imagen que vi, me hipnotizó. Todavía ni siquiera me había sacado la campera.
Vino un acomodador y me pidió que no obstruyera los escalones, así que tuve que ir a sentarme a una de las butacas de abajo, muy muy cerquita de la pantalla, y al costado.
Terrible ubicación, pero en el Bafici es así, si no vas media hora antes del horario de la función...

Pude ver desde afuera mi propia mirada de concentración desde que me senté.
Escuché cada sonido, cada diálogo, y observé cada gesto, cada imagen, atentamente.
La ópera prima de Esmir Filho me sumergió en un universo bellísimo del que no quería salir.
Un viaje placentero a una etapa trágica. La altura desde un puente al río que da vértigo. -Qué pasaría si salto? / Una voz que da calma / El primer amor que me retuerce / Un sueño que le da sentido a mi adolescencia / No quiero vivir siempre en este pueblo, no quiero / Mis amigos y mis juegos lo son todo / La muerte, la muerte ronda nuestra casa, todo el tiempo / Todo el tiempo / Me aprieta el pecho el peso de esos acordes / La canción que cantamos juntos esa mañana / La pandereta / La Armónica / play a song for me, I'm not sleepy and there is no place I'm going to / Me pesan los minutos por delante / Esta vida que se escapa con cada palabra que comparto / Tan azul / Celuloide azul.

No puedo explicarlo.
La película terminó y empecé a llorar.
No quería levantarme de la butaca, pero lo hice.
Cuando me dí vuelta vi que todavía nadie salía de la sala.
La pregunté a la persona que tenía al lado por qué nadie se levantaba, y me dijo que estaba presente el director. Que habría unos minutos para que contara algunas anécdotas de la realización del largo.
Esmir Filho entró a la sala, se paró delante de nosotros y comenzó a contestar algunas preguntas.
Yo todavía tenía la sensación que me había dejado el final de la película en el medio de la garganta. El corazón acelerado por la incertidumbre de no entender cómo, una ficción había implantado en mí algo tan real. Lo escuché a Esmir hablar de la película y en sus gestos, y en su voz, y en su esfuerzo por hablar en castellano, había un amor implícito a su obra. Pude entender como minuciosamente había cuidado cada detalle, para que su primer largometraje fuera tan transparente y sincero, como es.
La película es algo triste, Esmir Filho no. Sonríe. Todo el tiempo. Pero la película es él. Es su amor al cine. Es su vida pasada y sus vidas pasadas. Es su infancia y sus miedos. Es reconocer quien fue, antes de haber crecido. Es él, que no creció nunca.
Su película es belleza y poesía. Tristeza atesorada como escencia indispensable de vida.

Días después de ver la película, contacté a Esmir Filho y le agradecí por un cine tan inspirador.
Nunca pude contarlo en mi blog. No encontraba palabras que estuvieran a la altura de la película.
Todavía no las encuentro en realidad. Pero aprovecho esta ocación para invitarlos a que vayan a verla al Club Cultural Matienzo, este 27 de Julio.
Antes que escribir una buena nota en mi blog, mi prioridad es que nadie se pierda una gran película.

Take me on a trip upon your magic swirlin' ship

*estar cerca no es algo físico

ehhhhhh

2011-07-13T07:42:00.000-07:00

Leo es psicólogo y se entera que su ex novia está de visita en Buenos Aires. Han pasado 4 años desde que lo dejó y se fue a trabajar a España. Apoyándose en las amistades, la terapia y en los recuerdos, intenta superar sus rencores y saber porque tantos argentinos como ella han querido irse. Con la excusa del casamiento de unos amigos en común inicia un plan para poder reconquistarla.

Pero la presencia de un nuevo novio y varios resentimientos del pasado van a hacer que la tarea no sea tan simple como parece.

suena bastante bien.......

ACTORES: Maju Lozano WTF???????!

I Love You Phillip Morris

2011-07-07T12:09:00.000-07:00

Basada en la vida real del estafador Steven Jay Russell, "I Love You Phillip Morris" (escrita y dirigida por John Requa y Glenn Ficarra) intercala drama y comedia para relatar las hazañas de este hombre que ha llegado a escaparse hasta 4 veces de prisión, en búsqueda del hombre que ama, y ha sido condenado a más de 100 años de cárcel debido a sus intentos de escape.

El guión está basado en la novela escrita por Steve McVicker "I Love You Phillip Morris: A True Story of Life, Love, and Prison Breaks."

Jim Carrey interpreta al escurridizo Steven Russel, y Phillip Morris (que no tiene absolutamente nada que ver con los cigarrillos) es interpretado por Ewan McGregor. Ambos hacen una excelente tarea con sus actuaciones, llevando a la pantalla 2 personajes memorables.

La película tiene sus altas y bajas, pero sin duda las actuaciones de sus 2 protagonistas quedarán en la memoria del espectador como uno de los puntos fuertes de este film.

A pesar de haber tenido que ser reeditada debido a su alto contenido homosexual, la película, como la podemos ver, presenta con una mirada liberada y sin tabúes, la temática gay. Es una de sus características más destacables y a su vez, una de las principales razones en que en algunos momentos nos genera rechazo. La película es apta para todo público, pero definitivamente en esta cuestión se está callendo en el otro extremo, de prejuzgarla por su contenido homosexual, a ignorar la cantidad de escenas y referencias explícitas sexuales, alusión a las drogas, violencia y lenguaje obceno. (no es que considere que habría que censurarla.. jjaja pero creo que catalogarla apta para todo público es solo cuestión de decir falsamente "yo no discrimino a los homosexuales" y en ésta, como en cualquier película donde el sexo es entre heterosexuales, cuando las ecesnas son así de explícitas, y cuando el lenguaje es adulto, las películas son para mayores de 13. Eso es no discriminar.)

"Just keep in mind it’s gonna cost you a lot of money or you can suck his dick, your choice."

"You’re gonna catch a beating any day now, that’s just the way it is…just fight back, win or lose, just fight back or you can try to suck the guy’s dick, your choice.”

"you have to pay for it if you want to get it, $5 per item, or you can suck my dick”

La relación entre los dos personajes está en primer plano, todas las acciones en la película se respaldan con ese factor.
La película es entretenida, y genera una reacción en el espectador de respeto a los realizadores, viendo la valentía y la entereza con que llevaron a cabo la cinta, a pesar de las dificultades que se le presentarían después en el circuito cinematográfico americano.
Desde la narrativa es una cinta que lamentablemente no llega a interesar demasiado al espectador, dadas las constantes idas y vueltas entre lo burlesco y lo dramático. Aunque hay que mencionar como positivo que el relato nos depara una agradable sorpresita argumental en su desenlace, la cual al menos hace levantar un tanto el nivel general de un film que no es contundente ni como drama sentido ni como comedia descarada.
Su escencia indefinida salta tan bruscamente de lo emotivo a lo cómico, pasando por lo burdo, que desconcierta e incomoda.

Vale la pena verla entera, por el principio y el genial final, pero advierto que durante la duración, tal vez aparezcan ganas de que pronto termine.
Una película para ver en dvd (aunque ya sea demasiado tarde para verla en cine).
Deja un sabor agridulce.

[Pony-Puntaje> 6]

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Esta es la primer película dirigida por estos directores, que anteriormente tratabajon juntos en numerosos títulos de Hollywood, (bastante pelotudos, como "Perros y Gatos" y "Bad Santa").

Su segunda película se estrenaría este año. "Crazy, Stupid, Love."

En el poster aparece Steve Carrell con una típica cara suya de ese personaje boludo como el de "Virgen a los 40"

Pero está Ryan Gossling, y el trailer tiene una canción de The Cure, y una de Muse, y hay una bardeada a "Twilight" y un comentario nerd de photoshop que me hizo reir.

Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives

2011-06-22T11:39:00.000-07:00

¿Cómo descartar la subjetividad cuando un largometraje no es mero entretenimiento sino que se convierte con las horas, en una experiencia personal y profunda, que recorre todo nuestro aprendizaje?
"El Hombre Que Podía Recordar sus Vidas Pasadas" (como se llamó en nuestro país) es el desencadenante de una reacción. El punto de inicio de un viaje abstracto e indescriptible, probablemente distinto en cada caso, limitado o liberado por los conocimientos, censuras y niveles de apertura de cada persona que lo experimente.

La última película del aclamado realizador Apichatpong Weerasethakul, es un pasaje al inconciente colectivo tailandés, alimentado durante miles de años por la cultura popular y religiosa de la región.
Cargada de elementos budistas, fantásticos, políticos, morales y cinematográficos, este largometraje logra transmitir una calma absoluta, basada en su ritmo típico de cine oriental, pero rica en contenido, como si su realizador hubiera podido introducirse en la percepción misma del tiempo, e incluido elementos subliminales logrando que ocurra tanto, dando la sensación de tan poco.
La inmensidad de la naturaleza invade el cuadro. El paisaje tailandés es para nosotros desconocido y misterioso, mientras que Apichatpong lo muestra tan suyo, casi como si intentara hacer un cine cotidiano. Ama filmar su país. Eso está claro. La naturaleza se cuela incluso dentro de los interiores, con el sonido constante de insectos, viento y aunque suene extraño, silencio. El sonido del silencio que se puede apreciar en los bosques invadidos por arroyos y animales escurridizos.

Boonmee pasa sus últimos días de vida junto a sus seres queridos, reflexionando sobre su enfermedad, y recordando sus vidas pasadas.
La película surge del proyecto Primitive, que consta de múltiples instalaciones artísticas relacionadas con la región Isan del noreste de Tailandia, especialmente el pueblo Nubua. El proyecto contiene una serie de videos, y 2 cortos que relatan la brutal historia política de la región, y aunque "Uncle Boonmee..." esté muy relacionada con este proyecto, su realizador dijo "no estoy haciendo una película política, es más bien un diario personal".

La idea central de la película, está basada en las memorias de Boonmee, un monje que en algún momento de su vida, relató los recuerdos que tenía de sus vidas pasadas. Aunque Apichatpong tomó la libertad de modificar el relato a partir de esa premisa, incluso dejando en segundo plano a Boonmee, rompiendo con las estructuras de la narración, sin mantener protagonismos, ni continuidad lineal a lo largo del metraje. Incluso utilizó elementos clásicos del cine y la televisión tailandesa como la dirección de actores llevándolos a la sobreactuación, los diálogos algo absurdos e infantiles, y los efectos especiales de baja calidad debido a la falta de presupuesto que solían sufrir las producciones audiovisuales locales. "Los monstruos siempre estaban en la oscuridad para disimular sus disfraces de bajo presupuesto. Sus ojos eran luces rojas de manera a que el publico los identificara." Apichatpong le rinde homenaje a sus paisajes, su cultura, su historia y su cine, de manera creativa y única.

"Uncle Boonmee..." apela a la imaginación del público para dar cierre total a la historia, o si se quiere a la experiencia. Porque yo misma escribiendo sobre la película me encuentro en una encrucijada, atada a algunos conceptos cinematográficos que sé claramente que no son respetados en este caso, asi que tampoco debería respetarlos yo al escribir.
El cine oriental desafía al espectador occidental sobre todo en una característica: su carencia de delimitación entre conceptos. Es importante que se comprenda, que para la filosofía oriental, no hay distinción clara entre el bien y el mal, el acá y el más allá, la vida y la muerte. La característica cíclica y relativista de las cosas, tan difícil de entender para nosotros, impregna toda su percepción. Esto convierte a "Uncle Boonmee" en una experiencia difícil y extraña, que requiere el despojo de los conceptos culturales al que nos atamos cuando intentamos razonar o resolver un conflicto.
Es posible que no haya siquiera una manera concreta de entender esta película, y buscarla desesperadamente puede ser un error.
Lo gratificante es el estado que uno alcanza cuando se deja llevar. Es una experiencia hipnótica y cargada de belleza. Es estimulante y enriquecedora.

La película se presentó en Cannes esta año, y el jurado, presidido por Tim Burton, le entregó la palma de oro. Creo que su característica de presentar una experiencia única para el espectador, es la cualidad que le valió dicho reconocimiento.
Además de esto, es innegable que la realización de "Uncle Boonmee" rompe con las estructuras cinematográficas, incluso más de lo que lo hace el cine de autor. Cannes está acostumbrado al cine de vanguardia, el que cuestiona, el que modifica las normas, el que presenta formas novedosas, pero tampoco estaba preparado para lo nuevo de Apichatpong.
Su reacción fue la de celebrar semejante acontecimiento, abriendo sus mentes a este viaje surrealista y mágico (iba a poner otra palabra, pero me convenciste de usar esa) en medio de la jungla tailandesa.

Hay muchos conocimientos que nos pueden acercar a algo parecido a "entender la película", pero para poder experimentarla, es imprescindible ser libre.

"Cuando viajas y sucede algo durante el camino, no siempre tienes tiempo para detenerte y preguntar a la gente qué ha pasado. Así que muchas veces la apreciación de la realidad es pasajera. Ni tan siquiera dentro de tu misma cultura entiendes a todas las personas. Resulta inútil pretender que sabes la causa de todas las cosas y eso es algo que quería preservar en el filme. Para mí el misterio es como un motor para la vida, la hace avanzar y la embellece"

[Pony-Puntaje> 8]

una nota para rellenar espacio...

2011-06-09T13:41:00.000-07:00

Laura Ventura relata para lanacion.com detalles sobre el rodaje de "Una cita, Una fiesta, y Un Gato Negro"

[...] Cardinali no es una mujer ausente. La musa y mujer de Andrés Calamaro sonríe, gesticula e impregna su histrionismo en cada palabra. Balcarce, en cambio, responde con monosílabos, pero es dócil cuando peinan su cabellera leonina.WTF???????

BT: [...] La primera tiene ahora una pollera blanca con pintitas y una remera gris, muy formal...
jajaja cualquiera-

ink

2011-06-09T08:40:00.000-07:00

Hoy en día la información circula por la web sin necesidad de que grandes inversores se estén ocupando de invertir dinero en publicidades o promociones. No digo que pase con todo, pero un buen producto puede lograr que el boca en boca logre una difusión masiva de sí mismo, ese es el caso de Ink. Una película norteamericana de ciencia ficción y fantasía completamente independiente, estrenada en el Festival de Cine Internacional de Santa Barbara en el 2009.
Ink es una propuesta que brilla por su ambición y originalidad, y desde su estreno no deja de sorprender. Es el segundo largometraje dirigido por Jamin Winans, fundador de Double Edge Films en 1998, una pequeña productora de cine que maneja con su esposa. Ambos comparten el lema de "hacer del mundo un lugar mejor, al menos por algunos minutos" y desde entonces luchan y trabajan por eso. después de ver Ink, creo que van por buen camino, y definitivamente el film está impregnado de ese concepto.

"Atrapado entre sueños y pesadillas, un padre lucha por recuperar su alma y su hija, en este cuento de hadas oscuro y moderno"

Ink es una película cargada de detalles, creatividad e imaginación; excelentemente realizada desde cualquier punto de vista. Sería un desperdicio revelar cualquiera de esos detalles antes de que vean la película.
Jamin Winans, además de dirigir, también se encargó de la edición y de la composición del soundtrack original. Estos dos puntos generan un ritmo dinámico que surge de la relación entre la música y el montaje, e incluso se relaciona con la importancia de la música en la trama. Ink parece ser el resultado de un montón de factores que se comunican entre sí, y funcionan a la perfección, como un equipo bien armado. Partiendo desde el guión, que respeta las pautas del género pero a la vez es innovador y fresco, yendo hacia la fotografía que utiliza recursos poco explotados en el cine y que sorprenden tanto como cualquier superproducción de alto presupuesto.
El montaje es una de las características más fuertes de la realización del film, y el soundtrack es sencillamente genial. Los actores están muy bien dirigidos, y logran sacar a flor de piel sus personajes.

Es genial lo que ocurrió con Ink, en cuanto a la cantidad de descargas ilegales que tuvo la película desde su estreno, y la popularidad que esto le generó, llevándola por ejemplo a aumentar su perfil en IMDB y esas cosas copadas que les pasan a la películas... pero es una lástima que un film como éste no se pueda disfrutar en el cine, en la oscuridad de la sala, con la pantalla grande y el sonido ideal para apreciar el soundtrack y el excelente trabajo que hicieron con el sonido y los efectos especiales. Ojalá dentro de poco llegue su estreno comercial, se lo merecen.

Lo Más: el montaje (en cuanto a la manera de ordenar las escenas para contar la historia) y el concepto del ritmo.
La Escena: La lucha final en el hospital
Lo Menos: la nariz de Ink (?) jaja

[Pony-Puntaje> 8]

Recomendada al 100%

Blue Valentine

2011-06-08T09:39:00.000-07:00

Después de su presentación en el Bafici, Blue Valentine llegó a las carteleras porteñas un año más tarde que la fecha de su estreno mundial.
Dirigida por Derek Cianfrance, quién además escribió el guión junto a Cami Delavigne y Joey Curtis.
El libreto llego a las manos de Michelle Williams cuando ella tenía 21, y 2 años más tarde, Ryan Gosling se sumó a la producción. Todavía no habían comenzado a filmar debido a problemas económicos, nadie se comprometía a financiar la película. El rodaje comenzó cuando Williams tenía 27 años, y contó con los dos protagonistas como productores ejecutivos.
En un principio estaba planeado filmar en California, pero Cianfrance reubicó la historia en Brookling para que Michelle Williams no tuviera que alejarse demasiado de su hija Matilda.
Blue Valentine contó con un presupuesto acotado de 1 millón de dólares, y se estrenó en el festival de Sundance en el 2010.

La película sigue el matrimonio de Cindy (Williams) y Dean (Gosling) a través de dos líneas temporales: El comienzo, y su decadencia. Reflejando una mirada realista y dura sobre las relaciones, cómo éstas se deterioran con el tiempo, a pesar del amor que al principio parece garantizar felicidad y estabilidad.
Blue Valentine tiene una manera sutil de demostrar el paso del tiempo. Se concentra en las cosas pequeñas que hacen del pasado y el presente de estas personas que retrata.
Es un drama conmovedor y bien realizado, que de alguna manera hipnotiza y enamora (paradójicamente) al espectador, con sus escenas de una belleza real y tangible.
Michelle Williams y Ryan Goslin llevan a un extremo sus actuaciones cargando con toda la emotividad que tiene la película, marcando a fuego la historia en nuestras memorias. Ryan Goslin está impecable en su papel, aunque ya ha demostrado hace tiempo su talento. Williams no deja de sorprenderme.
Juntos crean una pareja creíble y humana que nos aleja de la noción de estar viendo una ficción, y ese es el punto en donde la película más conmueve.
La historia está cargada de detalles que la enriquecen, desde los objetos que aparecen en pantalla, las personalidades complejas pero escondidas de los personajes, los diálogos tan personales e íntimos, que nunca sabremos cuáles fueron respetados del guión y cuáles fueron fruto de la improvisación de los actores.
Algunas de las canciones fueron compuestas e interpretadas por Ryan Gosling, mientras que la banda australiana Grizzly Bear es la responsable de casi todos los tracks instrumentales. La canción que se destaca en la trama por ser la que ellos 2 comparten, es "You and Me" por Penny & The Quarters.

Derek Ciafrance se lució en la dirección extrayendo las almas completas de sus personajes y ubicándolas dentro del cuadro, con delicadeza y pasión al mismo tiempo.
Blue Valentine es una película para sumergirse en ella y dejarse llevar, por más triste que sea la historia que cuenta, es a la vez un paseo placentero y hermoso que no juzga ni condena al amor, sino que lo relata con un grado de mortalidad que habrá que aceptar algún día.

No se si seré yo, pero últimamente sostengo el concepto de que todo lo que es más real, es a la vez más bello, al contrario de lo que nos enseñan.
Si la naturaleza de las cosas implica nacer y morir algún día, no hay ficción que niegue esa ley, que supere en hermosura a la primera.
Es duro aceptarlo, no hay duda, pero la evolución que genera dentro nuestro el levantarnos del piso cada vez que somos defraudados, vale más que un solo amor para siempre.

Antes de ver la película escribí sobre ella:

Tengo tantas ganas de ver la película como miedo de hacerlo.Temo por la lección que no quiero aprender.Que todas o al menos algunas pasiones que consideramos inquebrantables, a veces también llegan a su fin.Y temo que lo hagan de manera hermosa y verosímil.Temo encontrar belleza en el fracaso de la fé en el amor.Temo comprender por fin, que mi amor al cine, es incluso mayor que otros amores. Amores efímeros aunque causen la primera impresión de ser eternos.Lo único que es eterno es el arte.

Y no podría haberlo dicho mejor en ese momento. La película cumplió mis expectativas, pero encuentro después de haberla visto un detalle que no pensé que encontraría: no tengo miedo de volver a enamorarme.

Lo Más: las actuaciones de Ryan Gosling y Michelle Williams
La Escena: [spoilers] La escena del aborto en el hospital.
Lo Menos: La vieja que estaba sentada al lado mío en el cine, jaja

Special thanks to =)

*Nicolás Claverie, que fue el primero en avisarme que la estaban dando en el cine, me acompañó a verla y llevó pañuelos por si lloraba... jaja gracias

*Elle, lectora del blog que se tomó el trabajo de avisarme que la película ya se había estrenado en Argentina. Una copada total =) gracias

[Pony-Puntaje> 8]

no se pierdan las imágenes de los créditos finales.

Nobody Knows

2011-06-01T13:21:00.000-07:00

Nobody Knows es el cuarto largometraje del director y guionista japonés Hirokazu Koreeda. Su filmografía se destaca por tratar temas como la memoria, la muerte y la aceptación de cambios y pérdidas. Suele mezclar técnicas de documental con dirección de actores, logrando extraer la esencia de sus personajes desde lo más profundo de las personas que están siendo filmadas. Su cine propone un acercamiento a los aspectos más humanos de la gente, la complejidad de existir, de relacionarnos con nuestro entorno y la poética belleza de la cotidianidad del día a día en convivencia.
Nobody knows no sale de esta temática, relatando la vida de 4 hermanos en un pequeño departamento en Tokio. Nadie sabe que ellos viven ahí con su madre. Hijos de padres diferentes, no comparten familiares ni amigos, no van al colegio, no conocen a sus vecinos, solo viven en armonía dentro de una burbuja creada por su madre, quien es el único sustento psicológico y económico de los niños. Ella establece las reglas de su mundo, y provee las herramientas para vivir en él. Pronto la madre comienza a alejarse del núcleo familiar, hasta desaparecer por completo, dejando a cargo al mayor de sus hijos, que tiene apenas 11 años. Hirokazu Koreeda logra captar el equilibrio formado por los niños y el adulto, la importancia de su relación y cómo ese equilibrio se derrumba cuando el adulto deja de cumplir su rol.
Centrándose en las virtudes de la niñez, en la poesía de crecer y madurar, el director filmó a sus jóvenes actores en orden cronológico para hacer de ellos mismos, los personajes de su película. Este proceso de filmación logra borrar los límites de realidad y ficción, cuando la historia que intenta contar, se encuentra también dentro de ese límite indefinido.
Koreeda comenzó a escribir el guión en 1988, movilizado por un caso similar al de la historia en su película, de 4 niños abandonados en Tokio, que ni siquiera habían sido registrados al nacer, por lo que nadie sabía de su existencia. Tardó años en concretar el guión hasta que, al terminarlo, llegó a preguntarse si la historia seguiría estando vigente, habiendo pasado 16 años desde el hecho real.
Es evidente que su conclusión fue que su historia seguía siendo de interés social en la actualidad, porque en el 2004 se estrenó finalmente "Nobody Knows".

Una poética y trágica historia, musicalizada por el famoso dúo de guitarristas Gontiti, que insertan en sus canciones un ukelele, para favorecer a la atmósfera del universo infantil, que con tanta ternura y cariño retrata Koreeda.
Nobody Knows nos congela frente a la pantalla con sus planos cargados de hermosa fotografía sencilla y cariñosa, y con ese ritmo lento e hipnotizante que produce observar cada detalle de esta historia. Los objetos, los gestos de los chicos, los sonidos, los ruidos en el departamento, el aislamiento, la luz que se cuela por la ventana casi como si intentara tentar a los chicos a salir, a desafiar la regla de permanecer puertas adentro impuesta por la madre. La realidad externa que llama, los chicos que crecen a cada minuto, la tragedia tangible al borde de cada escena, pero estática e inocentemente bella, como la niñez.

La historia transcurre a lo largo de cada estación del año, estableciendo cambios entre ellas, evolución en los personajes, y acontecimientos determinantes en el desarrollo de la trama. Otoño, Invierno, Primavera y Verano. Creando así un paralelismo entre los ciclos de la naturaleza y los que atravesamos todos al madurar. El tiempo, lineal, como cada año. Hay un equilibrio en la vida que no debería romperse, y las consecuencias de esa ruptura, son tal vez las que se relatan en esta suerte de pintura cinematográfica.
Puedo visualizar las pinceladas finas y la mano delicada con que fue concebida.

Fiel a su mirada oriental, Koreeda logra retratar tanto los aspectos negativos como los positivos de este suceso, cuestinonándose si en realidad había sido solo una tragedia la experiencia de esos niños en 1988. Consciente de los matices de todas las experiencias que podemos tener en vida, la relatividad de nuestras vivencias, la dualidad de todo lo existente en el universo. La película describe, sin quererlo, los principios del yin y el yang, tanto dentro de la pantalla como en las reacciones que despierta en el espectador. El equilibrio que capta nuestra atención al comienzo, (hermosa familia que convive armoniosamente en un mundo propio y acogedor) es lo opuesto a la tragedia que nos mantiene atrapados hasta el final, al borde de las lágrimas, aunque mantiene su cualidad de equilibrio: el desastre se produce naturalmente como si hubiera cambiado de rumbo pero mantenido la coherencia. Koreeda despliega un lenguaje poético que no hace diferencia entre lo malo y lo bueno, todo es bello, todo es puro, todo es naturaleza.

[Pony-Puntaje> 8]

Colin Farrell Sobre su Participación en The Imaginarium of Dr. Parnassus

2011-05-30T13:57:00.000-07:00

It’s not hard for me to imagine that if I ever look back on the films I’ve been a part of, and the stories I’ve had a hand in telling, one will stand out as so unique an experience, as to be incomparable. This experience was the shooting of The Imaginarium of Doctor Parnassus. The reasons for its uniqueness, sadly, are probably obvious to anyone who reads this. Three of us had been asked to complete a task that had been set in motion by a man we greatly liked and respected as both a person and an artist. Being part of this film was never about filling Heath’s shoes as much as seeing them across the finish line. How I wish he had brought the film to its completion himself. Of course, the whole crew felt this way. And the cast that we joined felt it, too. It was this spirit of grieving the loss of Heath, that Johnny and Jude and I joined. But there was also a sense of dogged insistence. Insistence that Heath’s last piece of work should not be kept in the shadow of the light of day. More than anything, though – more than the sadness and shock, the vulnerability and un-suredness as to whether it was right to complete the film or not – was an incredible sense of love. A community of people, caterers and actors, electricians and makeup artists had been brought together in a recognized sense of love and obligation, for and to, one of cinema's finest actors and most generous of men. It will be this sense of love amidst the sadness I will remember most. Such a gift and an honor, from Heath, to be a part of the trail that he left behind. RIP Heath Ledger

Johnny Depp Sobre su participación en The Imaginarium of Dr. Parnassus

2011-05-30T13:54:00.000-07:00

Maestro Gilliam has made a sublime film. Wonderfully enchanting and beautiful, The Imaginarium of Doctor Parnassus is a uniquely ingenious, captivating creation; by turns wild, thrilling and hilarious in all its crazed, dilapidated majesty. Pure Gilliam magic! It was an honor to represent Heath. He was the only player out there breathing heavy down the back of every established actor's neck with a thundering and ungovernable talent that came up on you quick, hissing rather mischievously with that cheeky grin, "hey... get on out of my way, boys, I'm coming through..." and does he ever!!! Heath is a marvel, Christopher Plummer beyond anything he's ever done, Waits as the Devil is a God, Lily Cole and Andrew Garfield, the very foundation, are spectacular, Verne Troyer simply kicks ass and as for my other cohorts, Colin Farrell and Jude Law, they most certainly did Master Ledger very proud, I salute them. Though the circumstances of my involvement are extremely heart-rending and unbelievably sad, I feel privileged to have been asked aboard to stand in on behalf of dear Heath.

Never Let Me Go

2011-05-27T10:08:00.000-07:00

"Never Let Me Go" es el tercer largometrage del director Mark Romanek ("One Hour Photo", "Static"), basada en el homónimo best seller dramático del 2005, escrito por Kasuo Ishiguro.
La novela ha ganado numerosos premios desde su primer publicación. Su autor, de nacionalidad británica pero nacido en Japón, relata un drama distópico dentro de una Inglaterra distinta a lo que conocemos, donde se clona a seres humanos para utilizar sus órganos para transplantes.

La película hipnotiza desde el comienzo con una excelente recreación de una época que claramente no es la nuestra, pero no podemos establecer si es un futuro o un pasado ficcional. Evidentemente la tecnología del momento permite clonar seres humanos con fines médicos, y hay una cultura de aceptación a esta técnica en la sociedad. Hay un sistema elaborado y establecido, de educación y mantenimiento de estos clones, hace ya varios años, funcionando ininterrumpidamente.
El contexto se nos es presentado para enmarcar la relación de 3 personajes que crecen y viven juntos, estableciendo una relación compleja entre ellos. Tan dificil de entenderla, aunque inútil sería el esfuerzo, cuando probablmenete tampoco podamos entender cómo sería vivir bajo esos términos y en esas condiciones.

El libro tiene claros cuestionamientos típicos de la filosofía oriental, lo cual hubieran alcanzado para una película que tuviera una estructura más abstracta, y un ritmo más lento. La trama es ideal para un estilo de cine contemplativo y sobre todo oriental, pero no se reconcilia del todo con los parámetros del cine occidental. Los actores conocidos y el idioma en Inglés y la locación Inglaterra, solo nos sirven para influenciarnos a buscar un conflicto dentro de la historia, una oportunidad para los personajes de redimirse y cambiar su destino, una moraleja, un cuestionamiento... No estamos acostumbrados al cine sin cambios, sin movimiento, al cine estático y lineal. Never Let me Go es eso, es el transcurso de 3 vidas que no se mueven hacia ningún lado, y tanto quisiéramos que se movieran, tanto quisieramos que se revelaran a las reglas bajo las que están construidas sus vidas, porque en nuestro mundo, las reglas están para romperse. En el mundo oriental las reglas están para seguirlas, la disciplina y el orden es una virtud milenaria en su cultura.

Hubiera querido pasión por generar un cambio, alguien que se jugara por el amor profundo que siente en el pecho y que tantos se empecinan en negarlo. Un intento por demostrar lo que sienten verdadero en su corazón, y el resto del mundo considera inexistente, ficticio. La película nos da una causa por lo que los personajes podrían luchar, pero no nos da la lucha.
Never Let Me Go me decepcionó por eso, aunque me encantó (en el sentido de hechizar, encantar) con la fotografía, la música y la entereza de los personajes, su profundidad y su sentimiento desbordante y a la vez retenido.
Las actuaciones son ricas, sobre todo la de Carey Mulligan, quien está demostrando ser una de las actrices más prometedoras de su generación.
El mayor logro del film, es la sensación de vacío y angustia que deja en el espectador al final. Comprendemos en sentimiento, lo que viven estos 3 personajes durante toda su vida. Una vida vacía. Tan vacía que no se puede agregar ningún otro adjetivo para describirla.

La relación entre ellos 3 es muy interesante, pero la película parece necesitar de la imaginación del espectador para llenar los huecos que deja al no lograr contar la historia en su totalidad. Entiendo que hay que contar muchos años, demasiados tal vez... pero parece ser lo más importante de la película, y deja una sensación de fracaso en ese sentido. Le falta contenido.
Es una película humana y pasiva.

[Pony-Puntaje> 7]

*Gracias a mi amigo nerd Ariel Pratto por la recomendación...
qué más ahora??? necesito ver más!! =)

Otro Crítico que no Entiende Nada

2011-05-18T10:13:00.000-07:00

sobre The Happening:

"un experimento de Shyamalan para conseguir que el público se suicide en masa antes que terminar de ver semejante aberración fílmica"

WTF Manuel Jesús Martinez?!

*aunque probablemente muchos cocincidan con su opinion, (yo no), me pareció que la forma que eligió para decirlo fue graciosa...

Agua Para Elefantes

2011-05-16T13:58:00.000-07:00

"Water for Elephants" es la nueva película de Francis Lawrence, responsable de las religiosas "Constantine" y "I Am Legend". Comenzó dirigiendo videoclips para numerosos artistas como Shakira, Pink, Gwen Stefani, Garbage, Jennifer Lopez, Black Eyed Peas, Janet Jackson, Aerosmith, etc...
en el año 2005 se estrenó su ópera prima, y 6 años más tarde llega éste, su tercer largometraje.
Su filmografía no dice mucho en particular; no es que esperamos el estreno de una película de Francis Lawrence porque su nombre sea sinónimo de calidad ni nada parecido... Que esté Robert Pattinson en el poster evidenciando un nuevo protagónico tampoco es sinónimo de calidad. Pero lo que llama la atención en este caso, como en muchos otros, y que logra la atracción de miles de espectadores, es el maravilloso trailer:

Claramente no elegí ver la película porque estuviera Edwrd (eh digo Pattinson.. [?]) Pero eso tampoco fue razón para que el trailer no me generara una sensación de frágil angustia y romántica incertidumbre acerca de la película. Espectacular fotografía prometía ese trailer, puestas en escena memorables, y tal vez, por lo menos, una actuación respetable por parte de la nominada Reese Witherspoon.

"Water for Eelephants" comienza al estilo Titanic, donde un anciano se dedica a relatar su propia experiencia en el circo, a un joven muy interesado en los hechos. Son spoilers demasiado fáciles de deducir asi que ni en rojo lo pongo: el anciano en cuestión es el noatractivo Robert Pattinson cuyo personaje ha vivido una increíble historia de amor.
La trama central de este melodrama reluce solo por su contexto, el colorido y fantástico mundo del circo; cuando el circo era levantado por la fuerza de cientos de hombres, y los animales eran las principales atracciones. Ese circo que nosotros solo conocemos del cine o de los cuentos de nuestros abuelos.

Es 1931 y Jacob está a punto de graduarse de la universidad en ciencias veterinarias, cuando una terrible tragedia cambia el curso de su vida. En este punto comienza la historia, romántica e intensa, pero trillada y predecible, de Agua para Elefantes.

Es hermoso el mundo en el que transcurre el film. Paisajes todavía vírgenes, trenes humeantes, carpas de colores, animales salvajes y exóticos. Belleza en el peligro de los trucos vertiginosos con leones y trapesistas. El vestuario del costado circense de los '30, con sus canutillos y lentejuelas. La trama es casi secundaria debido al protagonismo que roba el entorno, pero es tan llamativamente cliché, que estorba y entorpece.

Robert Pattinson encara su interpretación con lucidez y profesionalismo, pero pasión es lo que le falta para despegarse de los prejuicios que lo envuelven. En esta película no sorprende demasiado, aunque en algunos momentos podamos olvidarnos del vampiro que se llenó los bolsillos de lagrimas y besos quinceañeros. Ninguna de las actuaciones, (esto es meramente personal) nisiquiera la de Reese, logra adentrarse en nuestras entrañas para marcarnos a fuego con esta historia de amor, como tal vez pudieron hacerlo Rachel McAddams y Ryan Gosling en "The Notebook". El cine romántico intenta (no es secreto) afectarnos de por vida con una historia que nos haga soñar con la experiencia de un amor similar, o al menos llorar compadecientes con los personajes. Si tengo que nombrar un personaje en Agua para Elefantes, que se ha ganado mi corazón, es la elefanta Rosie, quien evoluciona a lo largo del film y es la verdadera heroína de la historia. Nos emociona, nos hace reír, se redime, sufre, cobra valentía, y protagoniza la escena culminante con grandeza. Nada de esto hacen Witherspoon, ni Pattinson, ni Waltz...
Todavía busco la palabra que describa lo que le falta a esta película, y creo que "química" es lo más acertado por ahora...

Una película que vale la pena por su fotografía y su dirección de arte, pero de la que podríamos prescindir sin notarlo siquiera.

Lo Mejor: Rosie
La Escena: cuando levantan el circo por primera vez, es hermosa e imponente.
Lo Menos: poca originalidad y falta de trascendencia

[Pony-Puntaje> 6]

"...a life most suckers can't even dream of..."

Scream 4

2011-05-11T05:54:00.000-07:00

Vuelve uno de los mayores productos de entretenimiento de los 90: Scream. Esta vez con la cuarta secuela, dirigida por Wes Craven, responsable de todas las anteriores entregas de la saga.
Escrita por Kevin Williamson, (Scream, y Scream 2) que estuvo ausente durante la 3ra.

Hoy en día, después de 15 años de la primera vez que vimos Scream, se ha convertido en una pieza de culto, referente de una época, y de una generación. Las sagas que hicieron historia en los 90, tienen su última entrega después de una década de nostalgia en crecimiento. Así pasó con Rocky, con su romántica y humana "Rocky Balboa", ahora es el turno de Scream, esa historia que hizo resurgir al cine de terror cuando se encontraba casi en peligro de extinción a causa de escasez de creatividad e innovación en el género.

Scream 4 es una celebración al fanatismo de este tipo de historias de terror, que desde que nacieron, no dejaron de facturar. Ahora, ya en el 2011, son tema central de fiestas temáticas, ciclos de cine, foros de debate, grupos en facebook, y miles de etcéteras. Son las historias que vieron nacer una nueva era y que fundaron las bases sobre las que está construida nuestra propia cultura. No la de nuestros padres o la de nuestros abuelos como muchos intentamos adjudicarnos, la NUESTRA, la que realmente vivimos, experimentamos, presenciamos su nacimiento, su auge y su decadencia, tan fugaz como nunca antes se había visto.

Wes Craven vuelve para mostrarnos, que sabía lo que hacía, y todavía sabe lo que hace, con un producto inteligentemente logrado, acorde a nuestros tiempos, que ya son muy distintos de aquellos que vieron nacer al asesino enmascarado "ghostface".
Scream 4 cumple con todo lo que un fanático de la saga espera, y aporta mucho más. La historia demuestra tener una personalidad propia que hemos podido conocer a los largo de las 3 anteriores entregas y Wes Craven logra perfectamente mantenerla, logrando así una homogeneidad en la saga a pesar de que haya pasado tanto tiempo desde Scream 3. Sádica e irónica, se ríe de ella misma para hacernos reír a nosotros. Era esperable de Scream, que habiéndose burlado como lo hizo de la muerte, de los adolescentes, de la clase media americana, del cine, también se burlara de ella misma. Creo que en este punto es donde reside el mayor logro de esta última película, porque madura. Si sus personajes maduran, si su público madura, si sus realizadores maduran, Scream 4 debería haber madurado también, y esto es exactamente lo que vemos. Pero no por haber madurado, pierde la magia, sino que la transforma, a su provecho, a los tiempos actuales, a las nuevas exigencias del espectador, de la industria y especialmente de los fans.

Un poco más violenta, e inteligente que las anteriores; tenemos en esta última entrega, más sangre, y más astucia.
Wes Craven hizo un muy buen trabajo dirigiendo los actores, manteniendo una interpretación seria en los personajes principales, y permitiéndoles a quienes están en segundo plano, la sobreactuación tributo y parodia al mismo tiempo, del cine que intenta recordar con nostalgia y humor.
Lo genial en este caso es que los actores que vuelven a hacer sus personajes ya épicos (Sydney, Gale y Dewey) cumplen con las expectativas de los fans, pero la que realmente sorprende es la novedad de la trama: Jill, la sobrina de Sydney, interpretada por Emma Roberts. Yo personalmente la conocí en "It's Kind of a Funny Story" y aunque en esa ocación dio una buena interpretación, no tuvo la oportunidad de lucirse demasiado. Creo que en Scream se come su papel literalmente, y es la sorpresa qmue ofrece esta cuarta entrega, que adeás de quedar bien con el pasado, debía permanecer en el presente, actual y novedosa, como supo ser allá en los 90.

No dejen de ir a verla al cine, a divertirse, como muchos cinéfilos se olvidan de hacer. El cine ofrece infinitas experiencias, y la diversión no es una menor.

[Pony-Puntaje> 8]
.never fuck with the original.

Sobre "La Chica de La Capa Roja"

2011-05-01T15:53:00.000-07:00

Leyendo las críticas de los estrenos en CinesArgentinos me encontré con esto:
Sobre "La Chica de la Capa Roja", película dirigida por Catherine Hardwicke (Crepúsculo...)
mientras que Hugo Zapata le puso una D y Chandler fue un poquito más bueno con su C, Juliii(15) dijo:

me fascino la pelicula, no hay nada mas que decir, no se si era porque era muy parecida a crepusculo o que, pero igual era otra historia me encanto, fui con varias amigas y cuando salimos de la sala todas queriamos un PETER jajajaj me fascino me encanto para mi Catherine es la mejor!!! No hay nada que hacerle diran que es muy mala directora pero las eliculas que hace son las que la gente ve mas,(tipo crepusculo y esta, ella las lanzo)so muy bn e hiper recomendable me encanto !!! para las twifans

WTF?????????????
Jajaja

Cuando uno envía un comentario a cinesargentinos supuestamente Chandler los revisa antes de subirlos a la página.. creo que este lo pasó de largo... (o lo hizo a propósito para que la gente se ría...)
cuanta ignoranciaaaaaaaaaaaaa
*boludez

Posible entrevista con un director de cine:

entrevistador: que busca lograr con su nueva película?
director: Personalmente siento que si el público adolescente femenino sale de la sala queriendo un PETER, ya me siento realizado...
entrevistador: No le importaría la opinión de todos los críticos especializados en la industria, los espectadores adultos, cinéfilos, estudiantes de cine, etc?
director: para nada... en absoluto... ni ahí... no

loosers

Live Forever: The Rise and Fall of Britpop

2011-04-27T07:51:00.000-07:00

Documental escrito y dirigido por John Dower, centrado en el auge y la decadencia de un período en la músca británica desde mediados de los 90 a comienzos del 2000. Analizando la historia desde el contexto político de la década, hasta las anécdotas personales de los músicos que la protagonizaron.

Oasis, Blur, Pulp, Massive Attack, Sleeper y otras bandas en la mira.
Plagado de entrevistas a Liam y Noel Gallagher, Jarvis Cocker, Damon Albarn, Robert Del Naja, Louise Wener, el diseñador Ozwald Boateng y el artista Damien Hirst.

Live Forever es un documental entretenido, dinámico y muy bien montado, que desborda material de archivo de lujo y presenta una mirada poco romántica de la época, pasándose en cambio al lado irónico, casi de burla, de los acontecimientos del momento que retrata.
Los 90 fueron años de cambio, de revolución en silencio, en la sombra de las grandes revoluciones de los 60, el auge de las drogas como el éxtasis y la cocaína, mucho tiempo desperdiciado y descontento político y social. Todo esto se vio reflejado en la música del momento, a través de la cual los músicos le hacían "fuck you" a los problemas sociales y culturales, y ni se preocuparon por generar un cambio. El espíritu en estas canciones noventosas era de despreocupación y desinterés, y esta característica se ve reflejada en el documental y en cada entrevista a cada uno de los protagonistas de la historia.

Un Jarvis Cocker que habla sentado en una cama mirándose las piernas cruzadas y levantando los hombros antes las preguntas del entrevistador, quien pretende mitificarlo. Un Liam Gallagher que rememora su infancia como un adolescente que se metía en los jardines de sus vecinos y les robaba cosas... maquinas de cortar pasto, bicicletas, ropa colgada.... después las vendía... no había mucho más que hacer en Manchester.. y ellos eran DE LA CLASE OBRERA (en mayúsculas porque parece ser la razón de todas sus acciones) Mientras, un Damon Albarn mira su vaso de (lo que sea que esté tomando) y sonríe inevitablemente ante los recuerdos de las competencias en los medios entre Blur y Oasis.
Bares de mala muerte, calles lúgubres sucias y desiertas. Humo, basura, suburbios, y mucha música.
El Britpop tiene su trasfondo interesante como cualquier otro estilo musical, o incluso, etapa en la historia, y John Dower supo captarlo con acidez y complicidad.
El montaje es lo que lo hace genial, manteniendo ese ritmo activo y bombardeante de información, entre entrevistas, imágenes de archivo, y una musicalización perfecta, armonizada con lo visual. Es una propuesta inteligente, fresca, y bien realizada.
Para el amante de esta música, y para el que todavía no la descubrió.

*Escuchar hablar a los hermanos Gallagher es un espectáculo aparte... recomiendo cualquier video de youtube de entrevistas.. es increíble lo agrandados y bardedros que son. Nunca vi nada igual jaja.

you and I are gonna live forever

[Pony-puntaje> 8]

Daft Punk: Electroma

2011-04-24T06:36:00.000-07:00

"Electroma" es un largometraje de 69 minutos de duración dirigido por los músicos que integran Daft Punk: Thomas Bangalter y Guy-Mauel de Homem-Christo.
Me imagino que ya desde el poster y el nombre de sus realizadores, esta película le llama la atención a muchísima gente, al igual que me pasó a mí. Y las expectativas están lógicamente depositadas en la banda sonora, y en la historia futurista que posiblemente desarrolle el film. (Facil de deducir).
La sinopsis que hay en Wikipedia sobre esta película es lamentable. No voy a copiarla acá porque es tan vergonzosa como eso: no se merece ni un mínimo de atención. Pero el problema no está solamente en quien escribe la sinopsis, sino también, (y más preocupante aún) en la falta de contenido de la película, que nos imposibilita a resumirla, porque resumirla sería contarla en su totalidad, y yo debería encabezar la sinopsis con un gran cartel en rojo que diga: SPOILERS.
Lo que van a ver en la película, no es más que lo que se adelanta en los avances, y lo que no esté ahí, será facilmente deducido por el espectador en cuestión de minutos.
"Electroma" es una película obvia, narcisista y soberbia. Un espacio donde los músicos de Daft Punk juegan a ser realizadores cinematográficos, solamente para crear una obra que no sea musical, para que acompañe el lanzamiento de su disco "human after all". La película no tiene más que una inmensa carga publicitaria para el grupo francés de música electrónica, que: o subestima a sus seguidores y los considera desconocedores de la calidad de una película de cine arte, o simplemente, no pretenden estar a la altura de las realizaciones artísticas que predominan en el mundo del cine.
Personalmente creo que fue un error prestarle tanta atención dentro del marco de un festival tan importante como Cannes (donde fue estrenada), porque la película es evidentemente una obra realizada por aficionados al cine, fanáticos del arte, que se desempeñan con conocimiento en la disciplina de la música, pero como amateurs totales en la disciplina cinematográfica.
Podría haberse resumido en un lindo corto, por su trama plana y sencilla, y la cantidad de minutos sobrantes y monótonos. Para colmo la música que acompaña las imágenes está compuesta por Brian Eno, y no por Daft Punk. La película tiene un comienzo que promete, un nudo que evidencia falta de creatividad, y un final que decepciona. Y no hay más que eso. Bastaban 10 minutos para contar la historia y transmitir el mensaje.
Lo único que se salva de mi crítica fulminante, es la fotografía, que mantiene al espectador iteresado en esos amplios planos llenos de belleza.
No había necesidad de incluir los cascos característicos de daft punk como para que no perdamos de vista que está realizada por ellos. Sí en cambio, había necesidad de que la música fuera de ellos, y esto lo ignoraron por completo. Me llama la atención, considerando que Thomas Bangalter es responsable de las geniales bandas sonoras de "Irreversible", "Enter The Void", y "Tron: Legacy".
El cine de ciencia ficción futurista necesita ideas nuevas, o al menos perspectivas diferentes, pero qué hago exigiéndole a Daft Punk que renueve las formas de hacer cine? Si ellos lo que saben hacer es música...
Hay algunas escenas bien logradas, algunas de hecho excelentemente logradas, pero para que el resultado final sea una excelente película, hace falta muchísimo más que eso.
Las excelentes ideas que tuvieron, podrían haberlas usado para hacer un excelente videoclip.
"Electroma" está realizada como si fuera un extenso videoclip: no hay diálogos, una trama muy sencilla que se comprende con la única necesidad de observar las imágenes, y música que acompaña y cierra el todo como producto final. Eso es, un videoclip de un poco más de una hora de duración... pero ni siquiera un videoclip de duft punk... pffff que aburrido....

Con estas letras, no me sorprende que el problema de la trama sea falta de contenido:
We are human... after all
Much in common. After all
[x8]

Human, human, human, human,
Human, human, human, human,
Human, human, human, human,
Human, human, human after all
[x7]

[Pony-Puntaje> 5]

gente: vean más cine arte, esto está lejos de ser una genialidad

La Vie au Ranch

2011-04-19T13:48:00.000-07:00

Bafici 2011

Continuaba mi día de cine francés, y este era un título que esperaba ver desde que encontré la sinopsis en la página del Bafici. =)

La vie au Ranch, -La Vida en el Rancho- retrata la vida de un grupo de amigas parisinas que pasan sus días en un departamento que comparten en el centro de la capital francesa. (mi posible futura vida?)
No se.. pero por 90 minutos podía fantasear con eso.. asi que me pareció tentador.
Cenas a base de fideos y ketchup, corridas en bombacha por el departamento, botellas vacías y a medio tomar por el suelo, celulares que no paran de sonar, y los tópicos repetitivos de conversación: chicos.

Sophie Letourneur (la directora debutante en este caso) nos presenta un retrato fiel sobre la dinámica de la amistad entre mujeres. Cruel y románticamente acorde a la realidad, probablemente a la realdiad que vivió ella como mujer, y como la que vivimos todas.
La Vie au Ranch es una comedia femenina e inquieta sobre la amistad pasajera que llena un espacio en el recorrido hacia la madurez y el autodescubrimiento que las mujeres atraviesan en una determinada etapa de su vida. Antes que sus carreras profesionales, antes que sus maridos y sus hijos, estaban sus amigas.

Sarah-Jane Sauvegrain. Eulalie Juster, Mahault Mollaret, Elsa Pierret, Jade Tong Cuong y Angéle Ferreux, son amigas en la vida real y ahora también en la pantalla grande. La selección de estas mujeres sin experiencia alguna en la actuación, está directamente ligada a la necesidad de una conexión tangible entre las actrices que pudiera reflejarse en las escenas tan cotidianas y naturales que transcurren durante toda la película.
Es una película de diálogos y química entre los personajes, y el trabajo de casting era decisivo para el resultado final.

La película es entretenida, sobre todo para las mujeres, quienes van a sentirse identificadas inevitablemente con alguna de las situaciones recreadas. Mucho cigarrillo, mucha cerveza, mucho tiempo al pedo, mucha joda, y también mucho París para mí.
Debo decir que el solo hecho de ver a este grupo de amigas volver del boliche caminando por las calles desiertas de París en una madrugada casi del todo amanecida, fría y gris, fue para mí, una experiencia memorable.

Deja un gusto agridulce a realidad. Dulce por la belleza femenina, agrio por su capacidad de crecer y dejar atrás.
La mujer es un mundo enorme que se comprende observando sus actitudes superficiales. Tan complejo como semejante contradicción. Así lo entiende Sophie Letoruneur, quien decide mostrarnos esa complejidad, con charlas sobre hombres y resacas mañaneras durante 90 minutos.

[Pony-Puntaje> 6]

Machos abstenerse, salvo que quieran entendernos un poquito más.

Mammuth

2011-04-18T17:01:00.000-07:00

Bafici 2011

Comenzaba la catarata de cine francés de esta edición del Bafici que, supongo, día a día se hacen más evidentes las razones por las que elegí las películas en ESE momento en que llené la hoja de "compra rápida".
París, París... me había enamorado de París tan profundamente que cualquier cosa que me remitiera a esa hermosa ciudad sería bienvenido por cualquiera sea mi estado de ánimo entre el 6 y el 17 de Abril.

Primera oportunidad para escuchar ese seductor acento francés, era "Mammuth", largometraje protagonizado por Gérard Depardieu (sinónimo de éxito, o al menos de sala llena? -seguro). Raro en un Bafici encontrar nombres tan reconocidos, sobre todo en películas actuales, cuando no se trata de un foco retro, o un recorrido por la filmografía de un director de larga trayectoria.
Mammuth es una película estrenada en el 2010 en el Festival de Berlín, dirigida por Gustave de Kervern, y Benoit Delépine. Un drama que acompaña a Serge -alias Mammuth (Gerard) durante un período de su vida de redescubrimiento, cambios bruscos, y reencuentros con los grandes amores de su vida (su novia de la juventud [L'amour perdu de Serge], su esposa, y su moto).

Mammuth es un hombre de unos 65 años a quien le ha llegado el momento de jubilarse. Habiendo trabajado durante años en la industria del Jamón, Mammuth deambula por su barrio, entre su casa y el supermercado tratando de matar el tiempo e ignorando el grave problema económico que él y su mujer enfrentan. Tienen una deuda grande que saldar, y para cobrar lo suficiente de su jubilación Mammuth debe presentar una serie de papeles, que claramente no tiene. Hay solo dos opciones: la primera, saldar la deuda con dinero de su bolsillo, literalmente inexistente, y la segunda, ir a buscar dichos documentos a todos los lugares donde Mammuth trabajó de joven y así cobrar la jubilación.
Emprende entonces, nuestro héroe de la gran pantalla francesa, un viaje rutero montado en su Münch Mammuth 4TTS 1200.

Dentro de un contexto cómicamente caótico y desesperanzador, se mueve nuestro personaje principal, quien desde el primer momento evidencia los síntomas de quien ha perdido la pasión por vivir y ha caído profundamente en la rutina. Falta de comunicación con su mujer, falta de motivaciones, todo falta en la vida de este hombre, quien se ha acostumbrado demasiado a cumplir con su tarea laboral en el frigorífico donde trabaja hace ya demasiados años. Es difícil querer a este personaje quien además de desmotivado parece hasta inútil y de pocas luces. Gordo, desprolijo, el pelo largo y sucio, no muy buenos modales y la cara larga del aburrimiento. Serge, o cómo lo conocían en otra vida: Mammuth, lleva emprende el recorrido sin muchas esperanzas pero resignado al considerarla la única opción. No espera aprender la enorme lección que este viaje le depara, como cualquier viaje. Un viaje que le cambia la vida. Un viaje que puede cambiarle la vida al espectador, si no se deja convencer durante el principio de la película, que estamos aquí sentados (en el cine del Bafici) para reírnos del gordito Serge.
Grave y primer error, hondar demasiado en la personalidad poco empática del personaje, y alejarnos gradualmente de él y sus pocas pero existentes cualidades queribles. Serge sabe amar, y es lo único que hizo bien en toda su vida.

Debo reconocer personalmente que ya nada importa. Ni la falta de empatía que sentí con Mammuth desde el principio (porque yo no me reí cuando intenta atravesar a la fuerza un carro de supermercado entre dos autos estacionados rallandolos incansablemente, cual bestia desquisiada). Ni con los demás personajes, como su pervertida sobrina, o la conchuda de la prostituta que se hace su amiga, o su insulsa mujer.
Nada. Porque la lección que él aprende, siendo él, es la que cualquiera de nosotros deberá aprender en nuestro viaje. Metafórica o literalmente hablando. Y eso es conmovedor. Mammuth (ésta vez hablando del título de la película) es concreta y sinceramente, conmovedora.

Love is all you need.

[Pony-Puntaje> 7]

Blame

2011-04-15T08:36:00.000-07:00

Bafici 2011

No vi mucho cine australiano, pero cuando me preguntan por ese cine me viene a la mente "Two Hands". La relación es automática: el cine australiano es bueno porque "Two Hands" es buena, + Heath Ledger. No hay mucho que agregar. Soy una cinefila prejuiciosa, sí sí. Aunque redondeo para arriba, asique no le hago mal a nadie. =)

La proyección de "Blame", fue presentada por su productor, aclarando de ante mano "esta no es una típica película australiana".
Sin muchas vueltas, y avisando que estaría luego de la proyección para contestar algunas preguntas, dio lugar al comienzo.

La película con mayor calidad visual que vi en el Bafici en mucho tiempo. Rodada en 35 mm, en una locación que desborda inmensidad, naturaleza y belleza. Pero, como luego explicó el productor, ésta no es una película sobre el lugar, ni sobre Australia, ni sobre un personaje. Es sobre "algo", un hecho puntual, una acción que genera incógnitas y cuestionamientos. Una historia en sí, que no pretende abarcar más de lo que hay fuera del cuadro, pero dentro del cuadro, hay algo concreto.

Un grupo de amigos, vestidos de luto, atacan a un hombre en la soledad de su casa. El por qué, es imperdonable que lo cuente, y el cómo, es casi como un crimen perfecto. Pero como dice el slogan de la película "Para lograr llevar a cabo un asesinato, no se pueden cometer errores".

Una historia de crimen, secretos y mentiras. Con un suspenso muy bien logrado, armónicamente acompañado de una banda de sonido formada por un cuarteto de cuerdas y un piano. Las actuaciones de todos los personajes tienen una homogeneidad única. Todos parecen manejar el mismo lenguaje. El productor de la película reveló el detalle de que todos fueron a la misma escuela de actuación, y que esto fue una cualidad que ayudó a que los actores pudieran comunicarse mejor entre ellos y lograr esa química que se ven en pantalla, que es tan armoniosa con el ambiente en que se desarrolla la historia.

Una película muy recomendable, dentro del marco de un festival que suele sorprender con títulos "que no esperábamos ver" como dice I-Sat. Blame no cabe en este grupo de sorpresas inesperadas que mucha veces son decepcionantes aunque al año siguiente volvamos a hacer cola para comprar 20 anticipadas del Bafici. Blame es de esas películas que alquilas en DVD porque el boca en boca así lo recomienda.

¿Alguna vez me vieron decir: alquílense el dvd de "En la ciudad de Sylvia"? (película que vi en el bafici 2008.)
No - pero es una película hermosa, que no me arrepiento de haber visto y que si la pasaran en I-Sat la volvería a ver.

*Alquílense el dvd de Blame. (si es que lo encuentran)

[Pony-Puntaje> 8]

[el público del Bafici, foto tomada por el productor de Blame]

Kaboom

2011-04-10T06:56:00.000-07:00

Ya había hablado sobre esta película en mi sección "No Olvidar".
Había visto el poster en todas las estaciones de subte de París, y desde ese momento me intrigaba la estética que se presentaba en la foto. Colores llamativos, actores hermosos, y situaciones provocativas.
Si vamos a hablar de Gregg Araki, no soy su fan numero uno, ni su peor enemiga... pero debo admitir que alguna de sus películas recibió muy bajo pony-puntaje. "2" para ser exacta, la tediosa, insoportable, y estúpida "Doom Generation".
Le tomé un poco más de cariño con Smiley Face, aunque no se alejaba mucho de lo estúpido, pero por lo menos era más contagiosa, y se notaba mejor dirigida. Y ni hablar de la correcta elección de Ana Faris. (en imdb tiene una puntuación de 5.7, asique me siento demasiado buena con Araki, pero seguiré siendo fiel a las impresiones que tuve personalmente y no puedo negar que no dejé de recomendar esa película por lo graciosa y divertida que me resultó.
Con Kaboon,creo que Gregg Araki encontró su camino y al fin presenta un punto muy fuerte dentro de su filmografía. Una película divertida, con un estilo propio y muchos huevos.
Gregg Araki parece haber encontrado su lenguaje, y ahora le hace fuck you a los críticos de los festivales de cine, con el gran final absurdo, bizarro y atrevido que tiene Kaboom.

Me imagino la escena: durante la proyección de Kaboom en Cannes (donde fue estrenada), gente se retira de la sala en medio de la función resongando. La película llega al final, y la mitad del público se levanta para tirarle cosas a Gregg Araki que sonríe desde un costado, y el resto también se levanta, para aplaudirlo. La sonrisa de Gregg Araki es lo más nítido de mi visión. Pícara e irónica, Gregg Araki nos toma el pelo a todos y se divierte como probablemente nunca en su vida, y yo acepto humildemente "tiene la industria en sus manos y hace lo que se le canta".
Aprendió como un chico rebelde, a los golpes, el hijo del cine independiente americano, se convirtió en un genio descarado?

Kaboom tiene una trama que roza, o se sienta cómodamente, en lo absurdo, entre una historia de experimentación sexual de adolescentes, con dejos de ciencia ficción de bajo presupuesto. Intercala escenas de sexo juvenilmente iluminadas con luces de neón entre rosadas y azules, con escenas de suspenso protagonizadas por enmascarados que integran una sociedad secreta. (WTF?)
según wikipedia: "Kaboom is a science fiction story centered on the sexual awakening of a group of college students"
En Argentina esta comedia podría estar dirigida por Fito Paez y musicalizada por Virus. Me recuerda un poco a esa genialidad tan subvalorada de nuestro cine nacional "¿De Quién es el Portaligas?"

El casting parece hecho por Cris Morena, profesional en encontrar a los actores más hermosos para que participen en sus producciones. Thomas Dekker (John Connor en "Terminator") es Smith, un gay, o bi, o sexualmentenodeclarado joven de ojos azules. Haley Bennett es su mejor amiga. Una lesbiana hermosa con una personalidad fuerte y seductora que estudia artes en la universidad. Roxane Mesquida es la novia de Stella (Haley Bannett), es una bruja con superpoderes, y.. hermosa también.
Juno Temple (Mr, Nobody), es London. Una rubia linda que se jacta de ser genial en la cama y se hace muy amiga de Smith. Chris Zylka (el que hizo del idiota de Joey en 10 cosas que odio de tí, [el modelo morocho que se la quiere levantar a Bianca]), es Thor, un rubio surfer medio nabo que tiene sexo todos los días con una chica distinta. Nicole LaLiberte es "La chica colorada", que se la pasa toda la película fumada y en parte, muerta... (?)

Estilísticamente Kaboom se asemeja muchísimo a Smiley Face, sobre todo en cuanto al montaje, y a los planos detalle que utiliza para relatar la historia. Las teclas de la computadora, los sueños, los mensajes en los celulares, los efectos especiales, etc... A esto me refiero cuando afirmo que Gregg Araki encontró su estilo propio. No dudo que a partir de ahora sus películas sean relacionadas con su nombre a simple vista, sin tener que buscar información sobre su director.
Gregg Araki es un cineasta que está parado dentro del circuito cinematográfico sobre sus propios pies, con sus propias ideas, y con su dedo mayor levantado de antemano a quien ose a cuestionar sus capacidades.
Si yo hubiera estado en Cannes ese día, en el estreno, no solo lo hubiera aplaudido de pie, sino que le hubiera pedido que me firmara un autógrafo.
"I hated you" le hubiera dicho, y él se hubiera reído...

[Pony-Puntaje> 8]

The Suburbanators

2011-04-09T14:05:00.000-07:00

Bafici 2011

La introducción que dio el director de The Suburbanators antes de la proyección de su película, es memorable. Dentro de la sección "focos y retros: Gary Burns", el director homenajeado está presente en el festival para presentar las proyecciones de toda su filmografía. Minutos antes del comienzo de la función, dio una especie de monólogo anecdótico que hizo reír al público un rato antes de dejarlos a solas con su genial ópera prima.
"Antes de empezar a estudiar cine, la verdad es que no sabía mucho con qué me iba a encontrar. Y en el momento de hacer mi primer corto, pensé en la manera de disimular el hecho de que en realidad no sabía nada sobre armar un guión ni sobre dirigir actores. Entonces opté por realizar una historia donde no ocurriera nada. Básicamente... Y utilizar actores que no hablaran un idioma que se entendiera, porque cuando uno entiende el idioma que hablan los actores, nota las sutilezas de sus actuaciones. Entonces para que no se notara que no podía dirigirlos, elegí 3 actores árabes y, de paso, decidí no subtitularlo."
Así comenzó su anécdota. Supuestamente dicho corto ganó premios en la escuela donde estudiaba. Cuando tuvo que hacer un 2do corto, usó básicamente la misma fórmula, actores árabes, donde los personajes no hacían "nada", y cuando consiguió auspiciantes para su primer película... adivinen qué hizo???

Terminó el monólogo diciendo algo como "y bueno, para mi primer película decidí hacer lo mismo, pero agregándo dos historias, son 3 historias que transcurren al mismo tiempo, y se van juntando en algunos momentos, pero básicamente son amigos, de unos 20 años, que no hacen nada.. y se pasan el tiempo tratando de conseguir marihuana.. que.. bueno.. eso es lo que yo hice durante 10 años... entre los 20 y los 30, antes de empezar a estudiar cine"

Le fue bien a este vago, parece, porque desde hace 15 años, es un conocido director canadiense, con una sección en su honor en el Festival de cine independiente más importante de Latinoamérica (nuestro Bafici).

The Suburbanators es exactamente eso, 3 grupos de amigos que vagabundean por una ciudad canadiense durante los 90, buscando un dealer que les venda marihuana. Mientras manejan por las calles de Toronto, y escuchan bandas punk de la época, tienen conversaciones interminables e intracendentes sobre chicas y cuelgues veinteañeros. Eso es todo. Y es buena, debo decirlo...
Gary Burns es un buen director, sin hacer esfuerzo alguno.
Hace las películas que se considera capaz de realizar con éxito, como un pibe que encara a la mina que considera que le va a dar bola. No a la que está más buena...

Buena música, un uso inteligente y funcional de la cámara, y buenos diálogos.
The Suburbanators parece seguir una formulita meticulosa y exacta para dar como resultado a una sarta de pavadas juveniles que encanta en la pantalla grande.

Después de la proyección hubo algunas preguntas copadas de los espectadores, y más anécdotas del director.
Recuerdo lo último que dijo, aclarando que no había visto la película desde hacía 10 años: "No recordaba lo idiotas que eran los personajes. Lo hice a propósito, por todas esas películas que hacen sentir mal al público (yo quisiera ser como él y tener un penthouse, o estar en pareja con un músico de una filarmónica...) lo que quería lograr es que el público se sintiera bien consigo mismo, y que pudiera decir "que bueno que no soy como estos idiotas"

*Un punto para aclarar es que estos idiotas no son como idiotas yanquees, sino más bien como los idiotas de saavedra, o de belgrano, los nuestros, los que andan en bici por el barrio, y se juntan a tomar cerveza en el parque. Idiotas como esos, que no quieren laburar porque prefieren vagabundear con sus amigos. Idiotas más argentinos, si la quieren ver los argentinos.

[Pony-Puntaje> 7]

Behind The Red Motel Door

2011-04-08T10:16:00.000-07:00

Bafici 2011

Después del laburo me fui directo al Teatro 25 de Mayo donde proyectaban la película que tenía para ver hoy. Behind The Red Motel Door, dirigida por TheWorldFamous Ike. Una comedia negra filmada en solo 2 días, con la participación de 38 actores, que entran y salen de 11 dormitorios en un Motel en la Ruta 66.
TheWorlFamous Ike, estaba ahí, y presentó la película diciendo en un chistoso español "Lo que ven aquí, PASA"

La película transcurre en tiempo real, durante un poco más de una hora y media. Una familia tipo americana que se encuentra viajando por la Ruta 66 hacia Disney, decide pasar la noche en un Motel. La acción transcurre entre que ellos llegan, hasta que se van. La cámara sigue a los personajes, dentro y fuera de las habitaciones, totalmente ligada a sus movimientos. Permanece dentro hasta que un personaje sale de la escena. Si alguien sale de la habitación, la cámara sigue a dicho personaje aunque la acción no haya terminado. Así vamos ingresando a las habitaciones para presenciar situaciones, en su mayoría detestables, violentas y criminales, conociendo así lo que pasa detras de las puertas de un Motel en la ruta.

En formato Neo Noir, y su eslogan " a slice of LOW life", TheWorlFamous Ike nos presenta personajes estereotipados que responden a las historias que los americanos escuchan todos los días sobre los Moteles en su país. Una prostituta, un gerente mal educado, un Matón, un Dealer, Un drogadicto, hasta un Dentista ilegal. Las escenas van desde lo violentas a lo absurdas generando una sensación encontrada en el espectador: "Ya no tengo más ganas de ir a EE.UU. y que me pase algo así, pero joder! que divertido que esto!" (?)
algo como eso, pero más extraño aún de lo que suena.

TheWorlFamous Ike decidió hacer esta película principalmente para innovar en la manera de hacer cine. Su primer película "Rejected by Vultures" fue rodada en 35mm, y para BTRMD quizo aprovechar la tecnología para utilizar un formato que le permitiera con más facilidad rodar una historia en tiempo real, y aprovechar una locación que no tuviera muy buenas condiciones de luz pero que no se perdiera luminosidad por la cámara o la sensibilidad de la película. El formato digital de alta definición era ideal para esta historia, donde podían filmar hasta 60 minutos sin cortar, y la calidad de imagen es comparable a la de 35mm.

Ike, en persona es un tipo alegre y simpático, no como su película, que por más que te haga reír, te está diciendo directamente a la cara: "en los Moteles se duerme, pero sobre todo se roba, se viola, se estafa y se mata" (jajaja que gracioso) (?)

La película tiene una estructura clásica que emana conocimiento por parte de los realizadores. La trama está pensanda milimétricamente, aunque el producto final sea muy suelto y natural, aparéntemente impulsivo.
El guión está muy bien armado, y es muy inteligente, aunque a veces se le escapa a Ike, algún que otro manerismo yanquee que a mí no me hizo reír.
Hay detalles que hilan la película creando una sensación de homogeneidad. La cámara se comporta de la misma manera durante toda la duración del film, respetando su rol casi como si fuera un personaje más. Un testigo. Entra y sale de las habitaciones dependiendo de los personajes, nunca deja de seguir a alguien, solo cambia de visión cuando un personaje se cruza con otro. Es casi una coreografía donde el camarógrafo también participa.
El otro detalle es el jabón rosado atado a una cuerda, detalle característico (y desagradable) de los moteles. El jabón te mantiene atado a la noción de la locación, impide que te olvides que la acción transcurre en un Motel, y no en cualquier otro lado. De hecho la pelícua en un principio iba a llamarse "Soap on a Roap" "Jabón atado a una cuerda", porque la idea inicial de la película era hacer una especia de tributo a "The Roap" de Hitchcock.

La proyección de la película terminó con una sesión de preguntas y respuestas con el director y unos de los actores que filmaba todo. (hasta filmó el recorrido que hizo desde su butaca hasta subir al escenario) Muy copado Ike, que terminó explicando de donde salió su apodo TheWorldFamous, que hoy en día lleva en su pasaporte legalmente como su nombre oficial.

[Pony-Puntaje> 7]

L.A. Zombie

2011-04-07T10:42:00.000-07:00

Bafici 2011

Ya empiezo mal, perdiéndome una de las película para las cuales saqué entradas: Lao Wai. Pero bueno, tuve mis razones, y no me arrepiento (?), pero ahora la busco en internet y no hay nada de información. 0.
Solo encuentro esta imágen----->
nada más que eso... Dudo tener la oportunidad de verla alguna vez.. Confío en que ISat la incluya en su programación algún día. Hasta entonces Lao Wai...

Decir que me tenía que encontrar con mi amigo musical Nico para ver L.A. Zombie, porque de no ser así probablemente también la hubiera dejado pasar... Pero debo decir que fue algo así como una desepción chistosa y entretenida, pero desepción al fin.
Ya había empezado a notar la falsa sensibilidad de Labruce, cuando no me respondió el hermoso mensaje que dejé en su blog explicándole detalladamente por qué lo admiraba tanto. Recuerdo haber pasado un largo rato escribiendo eso, tratando de hacerme entender y de sonar coherente, cuando era muy conciente de lo extraño que sonaba que una adolescente inocente y pudorosa como yo, admire al rey del porno sangriento canadiense. Busqué sinónimos en internet para usar las palabras adecuadas, y hasta me ayudé con un traductor para asegurarme que se entendiera lo que estaba escribiendo en mi inseguro inglés. Pero nada. Bruce pasó por alto mi mensaje y siguió posteando en su blog [y de hecho respondiéndole a sus demás fanáticos (hombres gays en su totalidad)], mientras que a mí, nada...
Debo reconocer que me asombró. La imagen que yo tenía del director provenían de esos amplios planos en los campos florecidos donde Otto el zombie recuerda a su primer amor. Ese es para mí Bruce Labruce, o era... Para mí Bruce Labruce se reflejaba en los ojos celestes de Otto que brillaban aguados y llenos de inocencia después de haber hecho el amor con el único hombre que amó en su corta vida de zombie. Para mí Labruce vivía en la negación de Otto de comer carne aunque su naturaleza se lo pidiera. Las sensaciones detrás de ese flequillo negro, la música perturbadora pero a la vez dulce y sensible. Bruce para mí, tenía dos caras, una superficial, coraza utilizada para mantenerse en pie dentro de una sociedad discriminadora y prejuiciosa, y otra profunda y auténtica, la de un artista expresándose con metáforas. Otto, or Up With Dead People, me impactó desde un principio con la profundidad que emanaba de las imágenes visualmente impactantes, evidenciando esa dualidad personal que como director decidió impregnar en su película, porque ese es su lenguaje, y con sus películas habla de sí mismo. Eso era para mí Bruce Labruce. Un gay sensible que pedía a gritos aceptación y un cambio de los conceptos de la sociedad sobre los homosexuales: "nosotros también sentimos, también amamos. No somos zombies muertos en vida que tienen sexo desenfrenado con la carne de otro muerto". (una ternura, ?)
L.A. Zombie nos presenta desde los créditos iniciales al personajes principal: una especie de extraterrestre zombie que emerge del mar en Los Angeles. La trama se "desarrolla" (entre comillas porque enrealidad no está muy desarrollada) con escenas donde el zombie mantiene relaciones sexuales sangrientas y extremadamente asquerosas con muertos que encuentra a su paso. Los vuelve a la vida, y sigue su camino. En algún momento se calza una camiseta con la bandera estadounidense en el pecho, y unas medias con el mismo motivo, y sigue su recorrido, penetrando las heridas de los muertos con su miembro verde y enorme. Aquí la película termina de convertirse en un relato porno, gay, y político, y entre defectos de montaje, y todavía más escenas de sexo, llegamos al final.
La misma esquizofrenia que en Otto, las mismas sorpresas en cuanto a posiciones sexuales, la misma creciente narrativa (primero con uno, después con dos, después más sangre, y después una orgía) pero sin personajes tan geniales como Medea (la directora loca de "Up With Dead People"), o incluso Otto, con una profundidad tangible inexistente en el personaje de L.A. Zombie. Quien nisiquiera tiene nombre. Probablemente la superficialidad del personaje es una elección conciente del director y no un error de comunicación.
Yo me pregunto: ¡¿cuál es el punto Labruce?!
No te aburre ya hacer todas tus películas porno gays? que ahora además tienen que ser de zombies?
Entonces entré en la página oficial de L.A. Zombie, y me encontré con la iformación que aclara las cosas. Algo así como:

"Mucha gente se sorpredió con la escena en "Otto, or Up With Dead People", donde un homosexual penetra a su pareja en la herida de bala que tiene en la panza, y me pareció interesante continuar la bola (o las bolas, palabras de Labruce), con más escenas como esa. L.A. Zombie, tiene suficientes escenas de sexo sangriento y mensajes políticos como para satisfacer al expectador más exigente"

Mi imagen de Bruce Labruce hoy en día? Un mero entretenedor porno, que vio como una de sus escenas más asquerosas afectó al público, y ahora quiere seguir afectándolo con más escenas como esas. Para lo que agarró a la estrella de porno frances François Sagat, le calzó una dentadura truchísima (pero no se le puede criticar eso porque es de los puntos copados del cine de clace Z) y lo hizo babear mucho y tener sexo con otros chabones musculosos que hacían de muertos. Un vago digamos, sin ideas nuevas ni ganas de reinverntarse como artista (-uh, que duro)

Y la profundidad? y la sensibilidad? -inexistente como la respuesta a mi mensaje.
Al final hay un intento de ponerse profundos y decir algo más que nada, pero el montaje interfiere en la comunicación entre realizador y espectador, y no termina de entenderse.
Probablemente sea más de lo mismo que Labruce decía en Otto.

Me reí, me reí de nerviosa, me reí por haber llevado a un amigo a ver semejante bizarreada, me reí porque la gente en el cine se reía. Y agradezo a Labruce, tal vez, por tantas risas.
Si alguien no sabe lo que es algo bizarro de verdad. Pídanle a Labruce una copia de su L.A. Zombie.

[Pony-Puntaje> 6]

Away We Go

2011-04-07T09:13:00.000-07:00

Sam Mendes ("American Beauty", "Revolutionary Road") se puso la camiseta del Indie, y dirigió una comedia dramática protagonizada por una pareja de gente común, extremadamente común, tanto que no se parecen a nada ni a nadie que hayamos conocido, sobre todo en la pantalla grande.

John Krasinski (el chico tierno de The Office versión americana) es Burt. Burt y su novia Verona (Maya Rudolph) esperan su primer hijo, y están en la búsqueda del lugar ideal para formar su familia. A lo largo del film, se suben y bajan de aviones, visitan amigos y familiares, y se descubren a si mismos dentro del mundo y entre tanta gente.
Poética y cotidianamente bella. Graciosa e inteligente. Esta es una comedia fuera de lo común, que seguramente quedará grabada en los corazones de todos los espectadores.

El guión abarca las dudas existenciales de esta pareja, evidenciando las dudas comunes a las que se enfrenta gran parte de la sociedad americana (y otras también pero a Méndes le gusta analizar su sociedad) y a la vez critica sutilmente los estereotipos sociales, destacando el valor de las ideas personales y la huída de los conceptos estándares que aprendemos con los ejemplos de la gente que nos rodea, lo que vemos en la televisión y lo que nos enseñan en el colegio.
Sam Mendez propone descubrir la individualidad de cada persona como ser único e irrepetible, y lo hermoso que hay en eso, debajo de la rutina y la normalidad.

El análisis que Sam hace sobre la sociedad es interesante, pero está abarcado con un humor sarcástico y crítico que nos despoja de la seriedad y nos invita a reirnos de nosotros mismos, de los vicios humanos y de las obsesiones, de las verdades que creemos absolutas, y de lo absurdo de los conceptos conservadores y prohibitivos.

La química entre los dos protagonistas es un detalle indispensable para el funcionamiento del film, porque es tan verosímil y tan creíble, que podríamos estar siguiendo el recorrido de dos personas reales a lo largo de su búsqueda.

Maggie Gyllenhaall está excelente en su papel de madre-hippie-chic-new-age, es una de las partes más divertidas del film, e incluso la más crítica.

El soundtrack está compuesto casi en su totalidad por el escoces Alexi Murdoch, e incluye una linda canción de Bob Dylan: "Meet Me in The Morning"
La película no tiene excelentes críticas, pero personalmente creo que está muy subvalorada, y vale la pena verla, descubrirla.

Una de los aspectos criticables de la película, es la superioridad de los personajes protagonistas por sobre los secundarios, humanamente hablando.
Estos parecieran estar en el camino correcto y observar desde allí a todas las demás personas, descarriladas. Personalmente, no lo había notado en un principio, porque yo, como snob total muchas veces, sentí realmente que ellos estaban en lo correcto, y no los demás.. pero analizándolo profundamente, me parece que el guión ubica a los personajes principales en un punto narcisista donde no son capaces de absorver aprendizages de su viaje más allá que del amor que se tienen entre ellos, y lo mal que está el mundo, aunque eso no vaya a afectar sus planes... mientras no cometan los mismos errores ni compartan cosas con esa gente.

[Pony-Puntaje> 8]

can't wait

2011-04-06T17:01:00.000-07:00

Realmente MUERO por ver Blue Valentine.
Ayer vi Mammoth (donde actúa Michelle Williams, entre otros) y lo que más me resuena en la cabeza desde ese momento, es "que gran actriz que es".
De esas grandes actrices que te angustian al verlas llorar. De esas actrices que terminas conociendo sus gestos, sus hoyuelos en los cachetes, y el grosor de sus lágrimas.
Belleza trágica que por alguna razón me conmueve excesivamente. Y amo eso del cine.
Amo que me conmueva a sí.

Ryan Goslin y la subvalorada Williams, ya están en la boca de todos los comentaristas cinematográficos por su actuación en este film.
La estrenaron pero salió fugazmente de cartelera, y no tuve ni tiempo de sacar la entrada.
Está en el bafici ahora, pero se agotó desde el primer día de ventas.

Tengo tantas ganas de ver la película como miedo de hacerlo.
Temo por la lección que no quiero aprender.
Que todas o al menos algunas pasiones que consideramos inquebrantables, a veces también llegan a su fin.
Y temo que lo hagan de manera hermosa y verosímil.
Temo encontrar belleza en el fracaso de la fé en el amor.
Temo comprender por fin, que mi amor al cine, es incluso mayor que otros amores. Amores efímeros aunque causen la primera impresión de ser eternos.
Lo único que es eterno es el arte.

[Inauguro una nueva sección TRAILERS, porque no hay mejor manera para elegir qué película ver.

Espero que les sea útil]

Good Will Hunting

2011-03-29T14:18:00.000-07:00

Gus Van Sant tiene la habilidad de crear belleza alrededor de cualquier historia que pase por sus manos. Conoce la manera, las técnicas y las herramienzas a su alcance, y explota cada recurso al máximo, generando obras de arte en cada película que estrena.
Good Will Hunting pertenece a la faceta más comercial de este director de Kentucky que intercala proyectos de recepción masiva con films independientes.
Si vieron Milk, ésta es una película que podríamos conectar con aquella, pero que se aleja notablemente de las minimalistas "Elephant", "Last Days", o "Paranoid Park" llenas de calma, planos largos, personajes pasivos y el tiempo justo para que como espectadores podamos incertarnos forzadamente en la trama para descubrir qué hay más allá de esas bandas sonoras estimulantes y esa fotografía hipnotizante.
Good Will Hunting no es así. Good Will Hunting no es como el Gus Van Sant que voy a buscar al Bafici, pero no tuvo absolutamente ninguna barrera para llegar muy dentro mío.
Y en este caso no es solo Van Sant el que se lleva todo el crédito por lograr que hayamos estado (los que la hemos visto) en presencia de tanta belleza.
Good Will Hunting es una muestra de cómo el cine es un trabajo en equipo, donde cada uno de sus aspectos, si funcionan, todos, estremecen.

Ben Afflek y Matt Damon, (quienes actúan en la película) son los responsables del guión. Es, en pocas palabras, increíble.
Amigos desde muy chicos, escribieron juntos el guión, y debo decir, desde mi lado cinéfilo más prejuicioso, que no me imaginaba que pudieran escribir un guión así.
Personajes grandes, reales, y hermosamente profundos, enteros, llenos. Diálogos que cargan la trama de escenas inolvidables. Una historia atrapante. (qué más querés?)

Will Hunting es un chico brillante y problemático que vive en un pueblo de Boston, y trabaja como personal de limpieza en el Instituto Tecnológico de Massachusetts. No pasen por alto el adjetivo "brillante" porque eso es lo que lo diferencia del resto de sus amigos, o del resto de los estudiantes de la universidad. Will realmente es brillante, especialmente para las matemáticas, y este talento innato podría cambiarle la vida, y facilitarle un futuro distinto al que parece estar destinado por la familia que tuvo, o el barrio en que vivió. Pero la personalidad perturbada del joven impide que pueda aprovechar el don que posee. Will se mete en problemas y cae preso, pero uno de los profesores de la universidad de MIT, descubre su potencial y decide ayudarlo, consiguiento la libertad de Will bajo 2 condiciones: que participe de un proyecto de investigación matemática con él, y que acuda a terapia una vez por semana.
Will es extraido de su mundo conflictivo para ser presentado a otros aspectos de la vida, como la confianza, el amor, la verdadera amistad, y la autovaloración.

Matt Damon lleva a cabo el papel principal de manera extraordinaria, mostrándonos su propio talento, encarnando a un Will sensible pero reprimido, que necesita mucha ayuda humana. Nunca lo había visto en un papel tan cargado de sensaciones, que siente el personaje, y que transmite al espectador. Lo aplaudo de pie, realmente.

Ben Affleck, interpreta al mejor amigo de Will. Evidentemente no es casual la selección de personajes. Entre ambos se recrea un concepto sobre la amistad admirable, que recomiendo a todos los lectores que se lo roben, y sean así con sus propios amigos.

"Every day I come by to pick you up, and we go out drinkin' or whatever and we have a few laughs. But you know what the best part of my day is? The ten seconds before I knock on the door 'cause I let myself think I might get there, and you'd be gone. I'd knock on the door and you wouldn't be there. You just left."

Robin Williams interpreta al psicólogo con las suficientes bolas como para bancarse la terapia completa con Will. Los mejores diálogos del film son los que se dan entre ellos dos durante sus sesiones. También lo aplaudo de pie a Williams por su papel. (La academia también lo hizo, Robin Williams se llevó un Oscar en el '97 por este papel)

Para este guión tan genial, Van Sant tuvo la dificil (aunque evidentemente facil para él) tarea de generar un contexto para la historia. Entre los viajes de Will en tren y las conversaciones entre él y su psicólogo en el parque, la historia fluye en escenas de una belleza especial. Las imágenes tienen esa escencia que solo Gus Van Sant incerta en sus película. Su propio seyo. Y aunque se maneje entre 2 estilos muy diferentes (el comercial y el independiente), siempre logra impregnar la cinta con esa sensibilidad característica. Sus películas tienen un ángel dificil de encontrar.
Esto lo vemos sobre todo en la fotografía, en escenas nocturnas o planos amplios en locaciones sencillas pero bellas.
La dirección es un punto aparte, donde se evidencia que el guión perfecto cayó en manos del director perfecto.
No podría haber sido otro el encargado de extraer de los actores, las actuaciones e interpretaciones ideales para cada escena y cada personaje.

La cámara, los encuadres, la música, las locaciones, inclusive el casting de actores, hace a la película un manojo de buenas elecciones.

Si Good Will Hunting fuera un libro, lo leería varias veces a lo largo de mi vida.
No más que decir por ahora.
Estoy atónita de tanta belleza.

Lo Más: El guión
La Escena: la anécdota graciosa del psicólogo y su esposa, me hizo llorar de la risa y la emoción al mismo tiempo. Hermosa, sincera, real.
Lo menos: el final, la hubiera terminado antes, sin tanta obviedad y esa música melodramática noventosa, con ese montaje típico de drama noventoso. Una fórmula evidentemente obligada para la taquilla de la época.

[Pony-Puntaje> 9]

So if I asked you about art you could 
give me the skinny on every art book 
ever written... Michelangelo? You 
know a lot about him I bet. Life's 
work, criticisms, political 
aspirations. But you couldn't tell 
me what it smells like in the Sistine 
Chapel. You've never stood there and 
looked up at that beautiful ceiling. 
And if I asked you about women I'm 
sure you could give me a syllabus of 
your personal favorites, and maybe 
you've been laid a few times too.
But you couldn't tell me how it feels 
to wake up next to a woman and be 
truly happy. If I asked you about 
war you could refer me to a bevy of 
fictional and non-fictional material, 
but you've never been in one. You've 
never held your best friend's head 
in your lap and watched him draw his 
last breath, looking to you for help. 
And if I asked you about love I'd 
get a sonnet, but you've never looked 
at a woman and been truly vulnerable. 
Known that someone could kill you 
with a look. That someone could rescue 
you from grief. That God had put an 
angel on Earth just for you.  And 
you wouldn't know how it felt to be 
her angel. To have the love be there 
for her forever. Through anything, 
through cancer. You wouldn't know 
about sleeping sitting up in a 
hospital room for two months holding 
her hand and not leaving because the 
doctors could see in your eyes that 
the term "visiting hours" didn't 
apply to you. And you wouldn't know 
about real loss, because that only 
occurs when you lose something you 
love more than yourself, and you've 
never dared to love anything that 
much. I look at you and I don't see 
an intelligent confident man, I don't 
see a peer, and I don't see my equal. 
I see a boy. Nobody could possibly 
understand you, right Will? Yet you 
presume to know so much about me 
because of a painting you saw.  You 
must know everything about me.  You're 
an orphan, right?

Violet Eyes

2011-03-23T11:32:00.000-07:00

Hoy, 23 de Marzo de 2011, falleció Elizabeth Taylor.
La hermosa mujer de ojos color violeta, que supo forjar una carrera envidiable en el mundo del cine.
Justo ayer estuve a punto de ver Gigante, película donde comparte el protagónico con James Dean.
No la vi, y esta mañana me levanté con la noticia de su muerte.
Estaba siendo atendida en el hospital Cedars-Sinai Medical Senter, por síntomas de insuficiencia cardíaca congestiva, enfermedad que sufría desde 2004.

Liz, era muy amiga de Michael Jackson, y elijo hoy, despedirla humildemente con la canción que Michael le escribió.

"Elizabeth I Love You"

Welcome to Hollywood
That's what they told you
A child star in Hollywood
That's what they sold you
Grace with beauty, charm and talent
You would do what you were told
But they robbed you of childhood
Took your youth and sold it for gold

Elizabeth, I love you
You're every star that shines in the world to me
Elizabeth can't you see that it's true
Elizabeth, I love you
You're more than just a star to me

Lovely Elizabeth
You have surpassed them all
My friend Elizabeth
Learned to outlast them all
Many started back when you did
Lost their way and now they're gone
But look at you, a true survivor
Full of life and carrying on

Elizabeth, I love you
You're every star that shines in the world to me
Elizabeth can't you see that it's true
Elizabeth, I love you
You're more than just a star...

This is your life
You seem to have it all
You reached your peak
They wanted you to fall
It's very sad, this world can be so bad
But though all the heartaches
When they put you down
You know you were the victor
And you earned the crown
It's like walking through the fire
Determined to win
You were beating life's battles
Again and again

Elizabeth, I love you
You're every star that shines in the world to me
Elizabeth can't you see that it's true

Remember the time I was alone
You stood by my side and said:
"Let's be strong"
You did all these tings
That only a true friend can do

Elizabeth, I love you
The world knows your work now
Of all the things on earth now
I pray one day I'll be just like... you.

L.A. Zombie

2011-03-23T08:54:00.000-07:00

Bruce Labruce mi (noseporquémehicetanfan) ídolo del cine porno-gay-militante, vuelve al Bafici para presentar su última película L.A. Zombie.
Después de Otto el Zombie (Otto, or Up With Dead People), renueva la apuesta al cine de clase Z de zombies, con un nuevo protagonista. Esta vez François Sagat, una estrella del cine porno francés, protagoniza el bombardeo de sexo gay sangriento.
Todavía no encuentro la diferencia que tiene con Otto, y la razón para hacer una película que ronde la misma idea, pero iré con gusto al cine a descubrirla.

Les dejo el trailer (prohibido para impresionables).
La verdad que Labruce no tiene mucho criterio para hacer trailers. Son simplemente partes de la película montadas durante la duración de una canción de punk under local.
Pero por lo menos conocemos por primera vez al zombie extraterrestre gay, que no se parece nada al lindo emo que era Otto.

Días para verla en el Bafici:

*7 de Abril / 23:30 hs / Arteplex Belgrano
*8 de Abril / 22:15 / Hoyts Abasto
*10 de Abril / 12:45 / Hoyts Abasto

Whip It

2011-03-23T07:56:00.000-07:00

Whip It es la primer película dirigida por Drew Barrymore.
Está basada en la novela Derby Girl, escrita por Shauna Cross, quien también se encargó de adaptar el guión para la versión cinematográfica.
Bliss (Ellen Page) es una joven de 16 años que vive en un pueblo de Texas en Estados Unidos con sus padres y su hermana. Exigida constantemente por la madre en el camino de cumplir sus propios sueños, Bliss vive su día a día entre los concursos de belleza en los que está forzada a participar, y su trabajo de medio tiempo en la única cafetería del pueblo.
En una salida de compras con su madre, Bliss se encuentra con un folleto que (aunque inconsciente en ese momento) cambiaría su vida. El folleto promocionaba una competencia de Roller Derby (sí, ese deporte donde un montón de chicas fortachonas patinan alrededor de una pista ovalada y se empujan y golpean entre sí para [nunca entendí cómo] ganar puntos).
Bliss acude a la competencia con su única amiga Pash, y queda fascinada con la actitud y personalidad de esas chicas rudas, y aunque se considera ajena a ese mundo rebelde, se encuentra con el comentario inspirador de una de ellas "se tu propia heroína".

Drew Barrymore combina un elenco de amigas cool (entra las que se encuentra Juliet Lewis) y un guión dinámico y juvenil, para lograr la fórmula que asegura el éxito de su ópera prima Whip It.
El dinamismo se encuentra en las escenas de chicas patinando, el romance fugaz de la protagonista con un lindo chico rockero, y los enfrentamientos de la joven Bliss con sus padres, donde radica casi la totalidad del mensaje: crecer, rebelarse, pelear por tus propios sueños, ser dueño de tu propia vida.

El atractivo del film radica en el vínculo que se genera entre los personajes y el espectador. Las chicas son copadas, divertidas, alegres, buena onda, coloridas, ruidosas y con personalidad. Quién no quiere tener una amiga así?
Toda la película parece ser un gran capricho de Drew Barrymore, que le costó (a ella y a sus productores) 10 millones de dólares. Un capricho divertido y entretenido, y muy bien llevado a cabo.
La escencia de Barrymore se encuentra en cada plano: los pelos teñidos de las chicas, las peleas de Bliss con sus padres, los tatuajes, las escenas juguetonas y frescas, característica más que evidente de Drew. Todos conocemos ese lado de la niña que creció, se rebeló, se descarriló, formó una carrera, y se convirtió en directora, en Hollywood.
La directora también tiene un pequeño papel en el film. Una de las "Derby girls", famosa por los golpes que reparte fuera y dentro de la pista. Ofrece algunas de las escenas más graciosas de la película. Esos detalles que aunque no son tan importantes en la trama, se tornan inolvidables a la hora de recordar un título.
Estoy segura de que cuando me nombren Whip It, voy a recordar automáticamente la sonrisa gigante de Drew, y las trompadas que le daba a sus contrincantes en patines.

Ellen Page se destaca en la interpretación de su papel (como en casi todas sus películas). Creíble, adorable y comprendida. Bliss no necesita más que eso. Es agradable acompañarla en su camino de autodescubrimiento.

Juliet Lewis, la chica mala sobre patines, es, simplemente Juliet Lewis. (sexy y cool como siempre)

La banda sonora es otra parte copada de la peli, que incluye canciones rockeras de bandas como Ramones, o The Raveonettes.

Más allá de todos los puntos que se lleva la película por estar bien dirigida, ser entretenida, y tener buenas actuaciones, no logra elevarse demasiado por sobre los parámetros del cine juvenil americano. Que por suerte tiene en su lista muchas películas cuyas fórmulas funcionan, de una manera u otra, y alcanzan a entretener y contagiar un mensaje al mismo tiempo, con personajes entrañables y bandas sonoras dignas de descargar.

[Pony-Puntaje> 7]

Un resumen demasiado yanquee para mi gusto

2011-03-15T10:30:00.000-07:00

The Abyss - [James Cameron - EE.UU. - 1989]

Durante los '80 Cameron fue el responsable de varias superproducciones pochocleras como Piraña, Aliens, Rambo, y Terminator... The Abyss es una de sus primeras películas que apelan a la fantasía y creatividad del director, y a su intento por divulgar un mensaje ambientalista y eco-conciente a sus espectadores. Llevada a cabo con extrema pasión y perfeccionismo, The Abyss es una película para prestarle atención. El hermoso azul tornazolado que vuelve a ser protagonista en nuesto milenio con Avatar. Donde Cameron dice: "¿no escucharon al abismo? ahí va devuelta el mensaje".

Hoy en día sabemos que ni escuchamos al abismo, ni a Avatar, ni a Michael Jackson, ni a Bono, ni a Shyamalan, ni a todos los documentales que vimos sobre el calentamiento global, ni a los maestros que en la primaria nos enseñaban a ahorrar agua...

Después de lo que pasó en Japón la semana pasada, yo tengo en la mente una escena de The Abyss que no puedo borrar. La gran amenaza, la señal, el aviso. Cuando lo vamos a escuchar?

[Pony-Puntaje> 8]

_________________________________

Coraline - [Henry Selick - EE.UU. - 2009]

Película animada basada en la novela infantil homónima de Neil Gaiman. Creativa como pocas, tétrica a lo Tim Burton, y obviamente, con el mismo espíritu del extraño mundo de Jack (también dirigida por Selick). Vale la pena para chicos y grandes, a igual medida. Atrapante, encantadora, y estimulante. Una obra de arte.

[Pony-Puntaje> 8]

_______________________________

Pi, Faith in Chaos - [Darren Aronofsky - EE.UU. 1998]

Un thriller psicológico con una estética de la concha de la lora, y una historia fascinante.

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829519475412398501
-no la entendí- jajaja
véanla así me la explican, gracias

______________________________

High Fidelity - [Stephen Frears - EE.UU. - 2000]

Leí el libro antes de ver la película, y debo decir que me arruinó un poco la experiencia cinematográfica, pero no me arrepiento ni un poco.

La película es genial, y el libro es 10 veces mejor.

Nick Hornbey (el autor del libro) la tiene clarísima.

Los que la disfrutarían, aman la música, las relaciones, los amigos, y las cosas graciosas y divertidas...

quién no?

[Pony-Puntaje> 8]

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The Rite - [Mikael Håfström - EE.UU. - 2011]

Fui al cine a verla con mi mejor amigo y debo decir que no lo pude soltar ni un minuto del miedo que me dio. No se si fue porque estoy muy suceptible a las películas o porque Anthony Hopkins es un actor de la puta madre, o porque está bien musicalizada (?).

Pero la pasé bien en el cine, con unos buenos sustos que después me dificultaron el sueño, y otras experiencias típicas post-cinedeexorcismos. Copado.

*las papas fritas con queso cheddar también estaban bárbaras

[Pony-Puntaje> 7]

________________________

Black Swan - [Darren Aronofsky - EE.UU. - 2010]

Una de las películas con más nominaciones al Oscar de este año. Black Swan es un thriller psicológico fuera de lo normal, original, creativo, hipnotizante. La actuación de Natalie Portmand es mindblowing y la música sencillamente perfecta. Un clima de tensión constante envuelve los 108 minutos de duración. Vale la pena verla en el cine, porque el sonido es parte escencial del suspenso del film, y hay algunas escenas impresionantes que requieren de la pantalla grande y de la total atención del espectador.

*del director de Requiem para un Sueño (no apta para impresionables)

[Pony-Puntaje> 8]

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Scott Pilgrim vs. The World - [Edgar Wright - EE.UU. - 2010]

Una película super cool, pero no super cool porq esté Michael Cera, sino porque realmente es cool. A diferencia de las demás películas para/de/sobre adolescentees, ésta es really cool. Se la recomendaría a cualquiera. realmente es entretenida y muy muy original.

Seguramente subiré la banda de sonido, poruqe también es cool. jaja

[Pony-Puntaje> 8]

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Knocked Up - [Judd Apatow - EE.UU. - 2007]

La enganchamos con el rocker (volvimos you know...) por cable... y debo reconocer que me reí como pocas veces! Primero dije "uy.. es mala" y después cuando noté lo mucho que me estaba riendo, me di cuenta que era solo prejuicio mío, porque realmente la película me estaba haciendo reír sin parar.. Eso deben lograr las comedias no? (corríjanme si estoy equivocada).

Fórmula de ayuda: Seth Rogen nunca falla.

Personalmente no recomiendo virgen a los 40, pero a muchos les fascinó... y los demás títulos donde lo incluyen... Seth parece ser un imán para las pocas-buenas comediasbarataspochoclerashollywoodenses. (y ahí me saltó el prejuicio devuelta)

*vean Pineapple Express

[Pony-Puntaje> 7]

Reviviendo al Resumen

2011-02-21T11:14:00.000-08:00

Los Santos Sucios - [Luis Ortega - Argentina - 2009]

La tercer película de Luis Ortega es un relato fantástico que incluye 5 personajes; supuestamente los únicos sobrevivientes dentro de un contexto post-apocalíptico, aunque a mí entender, ellos solo están totalmente fuera de contexto.

Una linda fotografía y muchas escenas que no llevan a nada. Un guión fumado que solo queda bien parado por poder ser catalogado de "realismo mágico" (?)

[Pony-Puntaje> 4]

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Gulliver's Travels (Los Viajes de Gulliver) - [Rob Letterman - EE.UU. - 2010]

Me gané la entrada para la avant premiere en cinesargentinos.com y fui con mi hermana a verla.

Digamos que es MALA con todas las letras, pero hace reir.

Creo que Jack Black podría agarrar cualquier cosa y volverlo gracioso.

En IMDB tiene un 4.7, eso es incluso 2 puntos menos que "The Dirty Saints" (ver arriba)

[Pony-Puntaje> 4]

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The Social Network (Red Social) - [David Fincher - EE.UU. - 2010]

El Génesis del Facebook. Tan atrapante como intracendente. Me dio lástima ver a Andrew Garfield traicionado por su amigo nerd.. ¬¬ Y creo que la película sobreestima a todos los genios de la computación, ¿en serio son tan lindos y tan cool?

[Pony-Puntaje> 6]

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You Will Meet a Tall Dark Stranger (Conocerás al Hombre de Tus Sueños) - [Woody Allen - EE.UU., UK, España - 2010]

Ehhhhhhhh. LA PEOR PELÍCULA DE WOODY ALLEN

quedó claro? la odié

me pareció molesta, aburridísima, mala onda, antipática... mmm después profundizaré...

Lo único que rescato es el mensaje que intenta trasmitir, sobre el comportamiento de las personas, taaan Woody Allen, es lo único Woody Allen que tiene esta película Woody Allen.

Naomi Watts con acento británico WTF?!

[Pony-Puntaje> 4]

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Bordertown - [Gragory Nava - EE.UU. - 2006]

Hasta ahora la película más atrapante e interesante de esta lista..

No terminé de verla asique no puedo poner puntaje.. pero va por un 7 por ahora..

sorprendente para ser una con jennifer Lopez...

Un drama conmovedor y movilizante.

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L'Illusionniste (El Ilusionista) - [Sylvain Chomet - Francia, UK - 2010 - Animada]

Del director de "Las trillizas de Bellville". Película animada que te hace viajar a Europa, literalmente viajar.

[Pony-Puntaje> 7]

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Little Fockers (Los pequeños Fockers) - [Paul Weitz - EE.UU. - 2010]

Basta de los Fockers. Van camino a arruinar una gran comedia.

[Pony-Puntaje> 5]

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It's Kind of a Funny Story - [Anna Boden, Ryan Fleck - EE.UU. - 2010]

Una comedia, un drama.. no importa demasiado, el tema es que esta peli llega al alma del adolescente mambero que todos tenemos adentro. Y lo hace con la mejor canción de la historia, "under pressure". (?) véanla. Una linda película para atesorar en el corazón.

[Pony-Puntaje> 7]

Bardo Thodol

2011-01-26T11:02:00.000-08:00

Para amantes y enemigos de Enter The Void

Para el que no la entendió,

y para el enfermo que quiere más de lo que hay fuera del marco de esta obra de arte

es una lectura de 15 min, realmente interesante

se los recomiendo de todo corazón <3

Fragmento del Libro Tibetano de Los Muertos

El Bardo Thodol

[...]PRIMER BARDO
Oh, amigo
El tiempo camina hacia ti para buscarte nuevos planos de la realidad.
Tu ego y tu nombre están en el juego de acabar.
Estas poniéndote enfrente de la Luz Clara.
Tú estás experimentando en esta realidad.
En el estado de libertad del ego donde todas las cosas son como un cielo vacío sin nubes.
Y el intelecto desnudo y limpio es como un trasplante vacío.
En este momento conoce por ti mismo y habita en este estado.
Lo que es llamado muerte del ego está viniendo hacia ti.

Recuerda:
Esta es la hora de la muerte y renacimiento.
Aprovecha de esta muerte temporal para obtener el perfecto estado.
Ilumínate.
Concentrado en la unidad de todos los seres vivientes.
Mantenido sobre la Luz Clara.
Usalo para alcanzar el entendimiento y el amor.
Si tú no puedes mantener la felicidad de la iluminación y si tú estás
deslizándote dentro del contacto del mundo exterior.
Recuerda:
Las alucinaciones que puedes experimentar ahora, las visiones e
introspecciones te enseñarán mucho sobre ti mismo y el mundo.
El velo de la rutinaria percepción será cambiado en tus ojos.
Recuerda la unidad de todas las cosas vivientes.
Recuerda la gloria de la luz clara.
Déjate guiar a través de tu nueva vida que viene.
Déjate guiar a través de las visiones de esta experiencia.
Si te sientes confuso, invoca la memoria de tus amigos y de tus maestros.
Trata de alcanzar y conservar la experiencia de la luz clara.
Recuerda:
La luz es la energía vital.
La llama sin fin de la vida.
Un ondulante y siempre cambiante torbellino de color puede
apoderarse de tu visión.
Esta es la incesante transformación de la energía.
El proceso vital.

No temas.
Entrégate a él.
Únete.
Forma parte de ti.
Tú eres parte de él.
Recuerda también:
Más allá de la continua y fluyente electricidad de la vida es la última realidad.
El Vacío.
Tu propio saber, formado en la no-posesión de forma o color, es naturalmente vacío..
La realidad final.
El Todo bondad.
El Todo paz.
La Luz.
Resplandeciente.
El movimiento es el fuego de vida desde el cual todo viene.
Únete.
Forma parte de ti.
Más allá de la luz de la vida es el pacífico silencio del Vacío.
La quieta felicidad más allá de todas las transformaciones.
La sonrisa de Buda.
El Vacío no es la nada.
lnobstruido, brillando, conmoviendo, feliz.
El vacío es principio y final él mismo.
Consciencia de diamante.
El Todo Bondad Buda.
Tu propia consciencia, brillando, vacía e inseparable
No-pensamiento, no-visión, no-color, es vacío
El intelecto brillando y lleno de felicidad y silencioso.
Este es el estado de perfecta iluminación.
Tu propia consciencia, brillando, vacía el inseparable del gran cuerpo resplandeciente,
no tiene nacimiento, ni muerte.
Es la inmutable luz que los tibetanos llaman Buda Amitabha.
El saber de la no-forma comenzando.
Conocido esto es suficiente.
Reconocer el vacío de tu propia consciencia para ser dominio de
Buda
Permanece en este reconocimiento y tú mantendrás el estado de la
divina mente de Buda.[...]

[...]Estás ahora percibiendo el baile mágico de las formas
Dibujos estáticos y caleidoscópicos explotan a tu alrededor
Todas las formas posibles aparecen vivas delante de tus ojos
El circo de la retina
El incesante juego de los elementos
Tierra, Agua, Aire, Fuego.
En forma y manifestaciones que siempre cambian
Deslumbrándote con su complejidad y variedad
Relájate y disfruta el río de movimiento
No te apegues a ninguna visión ni revelación
Deja que todo pase a través de ti
Si te vienen experiencias molestas
Deja que te pasen como lo demás
No luches contra ellas
Todo viene desde dentro de ti
Esto es la gran lección en creatividad y poder del cerebro
Liberado de sus estructuras aprendidas.
Deja que la cascada de imágenes y asociaciones te lleve donde
quiera
Medita calmadamente sobre el conocimiento
de que estas visiones son emanaciones de tu propia conciencia.
De esta manera puedes obtener conocimiento propio y liberarte.[...]

[...]Visiones coléricas
Oh noblemente nacido, escucha cuidadosamente:
Tú eras incapaz de mantener la perfecta Luz Clara o el primer Bardo
Reconócelas
Ellas son tus propias reflexiones hechas visibles y audibles
Ellas son producto de tu propia mente retrocedido hacia el muro
Ellas indican que tú estás cerrado a la liberación
No las temas
Ningún daño puede venirte de estas alucinaciones
Ellas son tus propios pensamientos con aspecto atemorizante
Son viejos amigos
Dales la bienvenida. Fúndete con ellas, vuelve a ellas
Piérdete tú mismo en ellas.
Ellas son tuyas.
Cualquier cosa por muy aterradora y extraña que tú veas.
Recuerda por encima de todo que viene de dentro de ti.
Manténte sobre este conocimiento
Tan pronto como reconozcas eso, obtendrás liberación
Si no lo reconoces
Torturas y castigo se seguirán
Pero esto son también radiaciones de tu propio intelecto
Son inmateriales
El vacío no puede dañar al vacío
Ninguna de las pacíficas o coléricas visiones
Demonios bebedores de sangre, máquinas,
Monstruos o diablos
Existen en realidad
Solo dentro de tu cráneo
Esto disipará tu miedo.[...]

[...]Oh ...,
Tú puedes sentirte confuso y desorientado
Tu puedes estar asombrado de tu conducta
Tú puedes mirar a tus compañeros viajeros y amigos
y darte cuenta de que no pueden entenderte
Tú puedes pensar: Yo estoy muerto.. Qué haré..
Y sentir gran miseria
Sólo como un pez arrojado fuera del agua sobre ascuas al rojo
Tú puedes asombrarte de que nunca volverás
Lugares familiares, parientes, la gente que te conoce se te aparece
como en un sueño[...]

[...]Entonces deja su imagen disolverse
Empezando por las extremidades
Hasta que nada sea visible
Ponte en un estado de claridad y vacío
Habita en este estado por un rato
Medita ahora una vez más en tu ideal protector
Una vez más en la Luz Clara
Haz esto alternativamente
Después deja a tu propia mente disolverse también gradualmente
Donde quiera que el aire penetra, la conciencia penetra
Donde quiera que la conciencia penetra, el sereno éxtasis penetra
Habita tranquilamente en el increado estado de serenidad
En este momento es renacimiento de las paranoias será evitado
La perfecta iluminación será conseguida
Para toda influencia determinante del pensamiento
Oh....
Puedes ahora experimentar alegría momentánea
seguida de pena momentánea de gran intensidad
Como el tensarse y relajarse de una catapulta
Irás a través de agudas oscilaciones de humor
Todo determinado por el Karma
No te aferres a las alegrías ni te enfades con las penas
Las acciones de tus amigos pueden evocar enfado o pena en ti.
Si te enfadas o te deprimes
Tendrás una experiencia infernal
No tiene importancia lo que la gente haga
Ningún pensamiento empañado puede surgir
Medita acerca del amor hacia ellos
Frecuentemente en este estado de la sesión
Sólo estarás un segundo lejos de la descubierta del cambio alegre de Tu vida;
Recuerda que cada uno de tus, compañeros es Buda consigo mismo
Tu mente ahora, sin tener donde enfocarse o fuerza interrogadora,
Siendo luz y moviéndose continuamente.
Todos los pensamientos que se te ocurran
Positivos o negativos
Ejercerán gran poder[...]

[...]En este momento puedes ver visiones de parejas juntas
Tú estás convencido que a tu alrededor ocurre una orgía
Deseo y expectación se apodera de ti que la acción sexual te espera
Cuando estas visiones ocurran
Recuerda, retente a ti mismo de acción o de apego
Humildemente ejercita tu fe
Flota en la corriente
Confía fervientemente en el proceso
Meditación y confianza en la unidad de la vida son las llaves
Si tratas de entrar en tu vieja personalidad por que eres atraído o
rechazado
Si quieres unirte a la orgía que estás alucinando
Renacerás a un nivel animal
Experimentarás deseo posesivo y celos
Sufrirás estupidez y miseria
Si deseas evitar esas miserias
Escucha y reconoce
Rechaza los sentimientos de repulsión o atracción
Recuerda que el descendente esfuerzo contrario a la iluminación es
fuerte en ti
Medita sobre la unidad con tus compañeros de viaje
Abandona los celos
Ni atracción ni repulsión por tus alucinaciones sexuales
No vagarás en la miseria largo tiempo
Repítete estas palabras a ti mismo
Y medita sobre ello[...]

[...]Medita sobre el Buda o sobre mi
Con esto en la mente medita tranquilamente
Entonces, originándose la visualizadora forma de tu protector ideal
Se disuelve desde las extremidades
Medita sin ninguna idea hecha, sobre La Clara Luz
Vacío
Este es un arte muy profundo
Por virtud de ello el renacimiento es aplazado
Una mayor iluminación futura es segura.[...]

[...]Tú estás vagando ahora por el tercer Bardo
Como una señal de esto mira tu espejo y tu no verás tu rostro normal
En este momento tú debes hacer simple resolución en tu mente
Esto es muy importante
Es como dirigir la carrera de un caballo con el uso de los riñones
Todo lo que tú desees sucederá[...]

[...]Las actividades sexuales, manipulación de la maquinaria,
la simulación de risa, sonidos esporádicos y apariciones terroríficas,
En verdad estos fenómenos son en naturaleza ilusiones
Sin embargo pueden aparecer en verdad ellos
Son irreales y falsos
Son como sueños y apariciones
No permanentes, no fijas
¿Qué ventaja hay en apegarse o tener miedo de ellas?
Todo son alucinaciones de tu mente
Tu mente misma no existe
Por lo tanto, ¿por qué existen ellas?
Solo tomando estas ilusiones por algo real tú navegarás alrededor
de esta confusa existencia
Todas son como sueños, como ecos
Como ciudades de nubes
Como espejismos, como formas relajadas
Como fantasmagorías[...]

[...]Es casi tiempo de volver
Haz la selección de tu futura personalidad de acuerdo con las mejores enseñanzas
Escucha bien:
Las señales y características del nivel de existencia a venir.
Aparecerán ante ti en señales premonitorias.
Reconócelas
Cuando encuentres que tú has vuelto a la realidad
Intenta seguir las deliciosas agradables visiones[...]

[...]Si tu vuelves en resplandor, un feliz estado seguirá.
Tu estado mental ahora, afectará su posterior nivel de ser
Lo que escojas.
Escoge imparcialmente
Sin atracción ni repulsión.
Entra en el juego existencia con buena gracia
Voluntariamente y libremente
Permanece tranquilo
Recuerda estas enseñanzas[...]

L'Illusionniste

2011-01-14T05:59:00.000-08:00

nothing more to say

Según Ana Josefina Silva

2011-01-14T05:16:00.000-08:00

La sobrevalorada Charlize Theron —una bella modelo que Hollywood decidió que era una buena actriz cuando engordó para protagonizar “Monster”—

*Realmente cree que lo único que hizo Charlize Theron en "Monster" fue engordar?
Me parece que Anita no vio Monster, tal vez sólo vio el poster...

ehhh no se

2011-01-04T07:13:00.000-08:00

EEEHHH
NO SE por qué hay una imagen de Big Fish en la columna de mi blog
osea, no es ni ahí una de mis películas favoritas
ni mucho menos...
esa columna no refleja en absoluto mis prioridades cinéfilas...
Para nada
donde está Penny Lane?
donde está Tangerine?
qué hace ahí Kirsten Dunst?
osea me gustó Elizabethtown (bastante mucho)
pero no da...
donde, WHERE THE FUCK está Heath?!
Por lo menos está Evey
Y los niños suecos
Pero y los planos en blanco y negro de Mala Noche?
Alguna referencia a Gus Van Sant era necesario..
Y 24 hour?
estuve en la Hacienda por cierto.
fuck necesito contar eso en mi blog

Una lista bastante patética...

2011-01-04T07:03:00.000-08:00

Si no fuera por Pulp Fiction y Code 46 se podría decir que estoy mirando demasiado cine de mierda últimamente...

Veamos...

"What a Girl Wants" "Lo que una chica quiere". Una comedia bastante pelotuda que bien podría ser comparada con todas las historias protagonizadas por las gemelas Olsen (me las ví todas gente, infancia de niña coqueta). La chica que viaja a Europa por algún problema familiar que incluye la relación amorosa de sus divorciados padres (que obviamente luego logra reconciliar) y conoce un chico europeo que la lleva a pasear en moto y le compra pulceras en el mercadillo con vistas al mar. Sisí. Mi hermana dijo "de esas comedias que te dan un increíblemente falso panorama de la vida", asquerosamente positiva, y lo dice el PONY eh!

[Pony-Puntaje> 3]

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"Tron: Legacy": "Tron, el Legado". Lo único que le puedo valorar a esta pelicula, es que hizo historia. Porque sino sería simplemente una gran pelotudez genialmente musicalizada. Tron: Legacy no hace más que rendir tributo a la subvalorada "Tron" que por allá, a fines de los 70 o principios de los 80, causó revuelo por utilizar técnicas digitales que los amantes del cine catalogaron de "traición". Tron: Legacy es una película ochentosa del 2010, con todos sus cliches ochentosos, sus trajes futuristas, su obsesión por la realidad virtual, y sus escenas ridículas a inverosímiles...

[Pony-Puntaje> 5]

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"Blades of Glory" "Patinazo a la Gloria": No puedo creer haber visto una película con ese nombre... El tema es así: no tengo cable, OK??? Domingo a la tarde, vuelvo de almorzar con mi papá (lo cual me pone bastante de mal humor) hace mucho calor afuera, en el living de mi casa corre bastante aire, y quedó mucho helado de la cena de fin de año... si, voy a mirar cualquier porquería que estén dando, porque encima ya terminé de leer Alta Fidelidad y todavía no me compré otro libro copado.

(Si no están en igualdad de condiciones, no les recomiendo ver esta pavada)

[Pony-Puntaje> 4]

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"Code 46" "Código 46" De las únicas 2 aceptables de esta lista. Michael Winterbottom tiene algo especial. Su cine tiene una escencia única. Vean Código 46, es una hermosa historia de amor y ciencia ficción.

[Pony-Puntaje> 8]

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"Another Cinderella Story" Si pensaron que no podía superar la basura de "What a Girl Wants" o "Blades of Glory" aquí tienen un título disneychannellero protagonizado por Selena Gomez. Al menos al final se dan un beso (?)

[Pony-Puntaje> 2]

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"Miss Congeniality" "Miss Simpatía": Peor que Disney Channel, peor que las pavadas de Will Ferrel, peor que las Olsen, Fuck I hate This Movie. Pura mierda.

[Pony-Puntaje> 1]

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"Pulp Fiction" No es la mejor película que vi en mi vida, debo admitir. Tampoco puedo decir que me encantó (?) bueno, por momentos sí, pero deseé que terminara porque DEBÍA verla entera, aunque tuve ganas de apagarla mientras Bruce Willis protagonizaba uno de los fictions... La primer escena, como todas las primeras escenas de Tarantino, INCREÍBLE, el medio, aburrido, y hacia el final, se pone zarpada en buena devuelta... esa es mi observación. "sabes como le llaman al cuarto de libra en europa?"

[Pony-Puntaje> 8,5] (se merece un decimal)

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"L'Illusionist" "El Ilusionista": Comedia dramática animada fracesa. Para dormir una buena siesta, o, en el mejor de los casos, si estuviste en Europa un día de estos... reconocer los lugares por donde paseaste, en los dibujos de la peli que los representa con dramatismo, hermosura y fidelidad. Estéticamente asombrosa, la trama deja un poco que desear. Una especie de crítica a la sociedad europea, con un romance algo inentendible entre un jovato ilusionista y una pendeja materialista. (?) [qsefumaronestos?]

[Pony-Puntaje> 7] esque los dibujos posta que son lindos