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martes 7 de febrero de 2012

La Carta de Hiroshi

- No es de gran importancia pero si no viste Restless, aviso que es una parte de la película.-


Mientras escribo esta carta, la brisa del océano me acaricia la piel. Ese inmenso océano que pronto será mi tumba. Dicen que moriré como un héroe, que la seguridad y el dolor de mi país serán mi recompensa por mi sacrificio. Rezo para que tengan razón.
En esta vida, sólo me arrepiento de no haberte dicho lo que sentía. Me gustaría estar en casa, me gustaría cogerte de la mano, me gustaría decirte que te he amado y sólo a ti desde que era un niño. Pero no es así. Ahora veo que morir es fácil. Es el amor lo que cuesta. Mientras mi avión se hunde, no veré el rostro de mis enemigos, pero sí veré tus ojos, como rocas negras heladas por el agua de lluvia.
Nos dicen que gritemos “banzai” cuando nos estrellemos contra nuestro objetivo. En cambio, yo susurraré tu nombre. Y en la muerte, como en la vida, seguiré siendo tuyo para siempre. 

<3

Restless



Enoch (Henry Hopper) es un chico raro, que suele ir a funerales de gente desconocida, por interés, o curiosidad (o mambo)...
En uno de esos funerales al que no fue invitado, conoce a Annabel (Mia Masikowska) una chica encantadora que no descansa hasta llamar su atención, y así comenzar una extraña y especial relación, que le cambiará la vida a ambos.

Gus Van Sant, en su última película, observa (o nos hace observar) a los personajes desde un punto de vista particular: su relación con la muerte. Ya sea la propia, la de seres queridos, la de extraños o conocidos, constantemente a lo largo del film, vemos como Enoch y Annie se comportan frente a este factor. Lejos de sentirse perseguidos o amenzados, ellos conviven con la posibilidad de la muerte, como con los pájaros en el bosque, o el aire que respiran.

La película está cargada de inocencia, de la más pura, producto evidente de la sensibilidad de Gus Van Sant, quien siempre se ha mostrado a través de su obra, interesado en los adolescentes, y su mirada del mundo. Dentro de ese mundo, la vida y la muerte, aparecen como cualidades indispensables e innegables. (De hecho lo son) pero Gus Van Sant lo ha sostenido a través de toda su filmografía, casi como si no pudiera evitarlo, como si le pareciera antinatural no exteriorizar a conciencia la existencia de ambas. Casi como una regla. No hay película sin una historia que contar, no hay película sin un personaje con el que identificarnos, para Gus Van Sant, no hay película sin "vida y muerte".

Personalmente prefiero cualquier otro título de Gus Van Sant (genio de la vida) excepto "Drugstore Cowboy". Restless es una película que acierta más que nada en los detalles, y no como producto completo. Tiene la huella de Van Sant en la fotografía, pareciera estar filmada a través de sus propios ojos. Mirada con la cual destaca la belleza de las cosas que no brillan ante los ojos de cualquiera. Hay algunas tomas (de esas que me encantan) donde encuandran a los personajes de espaldas. Se lo encuentra a él dentro de su obra en esos momentos, o en los reflejos en los vidrios, en las secuencias de la calle, los trenes, los atardeceres... Los besos y las caricias fuera de foco. Un placer encontrarlo, realmente.

"Restless" se diferencia de sus otras obras, por su ingenuidad.
El guión, escrito por Jason Lew, presenta una historia sin matices, infantil, suave, casi como un cuento para niños sobre la muerte. Los fantasmas, los espíritus que nos protegen, qué hay más allá, el alma acompañada, el largo camino a otro mundo. Podría decir que esto es un defecto de la película pero sinceramente no me atrevo a afirmarlo.
Así como considero "La Dama en el Agua" una genialidad de Shyamalan, con sus personajes chatos, básicos y únicamente funcionales para la historia (o el cuento) que está contando. Restless podría tener también la intención de aferrarse al niño interno, huir de la parafernalia adulta seria y compleja de las cosas, quedarse placenteramente parado en la sencillez de la infancia, cuando las cosas son simples, donde no existe el miedo, ni a la muerte ni a nada. Cuándo, en el camino hacia la madurez, nos olvidamos que morir no es lo difícil?
Morir es fácil, sostiene. Pero amar es crecer, y amar es lo difícil.
Enoch y Annie transitan un camino de aprendizaje juntos, pero mientras ellos creen que están aprendiendo a morir, van a sentirse más vivos que nunca. Van a aprender a amar.

Lo Más: La Fotografía
La Escena: La carta de Hiroshi (y el minuto: 01:17:59)
Lo Menos: La conversación con los padres de Enoch en el cementerio, y los besos que se dan Enoch y Annie.

PS: Hermosas canciones, algunas de Sufjan Stevens, otras escritas por el mismo Gus Van Sant, y la final, de Nico. Un muy buen soundtrack.

[Pony-puntaje> 6]


Now that it's light
Now that the candle's falling smaller in my mind
Now that it's here
Now that I'm almost not so very far behind
I want to know do I stay or do I go
And maybe follow another sign
And do I really have a song that I can ride on?



Now that I smile,
Now that I'm laughing even deeper inside.
Now that I see,
Now that I finally found the one thing I denied
It's now I know do I stay or do I go
And it is finally I decide
That I'll be leaving
In the fairest of the seasons



-We have so little time to say any of the things we mean. We have so little time for any of it

domingo 5 de febrero de 2012

Los extraño

mañana estoy de vuelta lo prometo 
<3

lunes 28 de noviembre de 2011

Wristcutters: A Love Story


The Wristcutters es una película ambientada en una especie de mundo post mortem reservado para suicidas.
Patrick Fugit (el William de Almost Famous) es Zia, un chico que se suicida en el baño de su pequeño departamento al sufrir el abandono de su linda novia Desiree. Se despierta en una especie de pueblo de mala muerte en medio de la ruta, con cicatrices en sus muñecas, y rodeado de gente que también llegó al lugar por medio del suicidio.
Durante su estadía conocerá a Eugene (Shea Whigham) un ruso que convive con toda su familia, aparentemente suicidas por genética, y a Mikal (Shannyn Sossamon) una chica que hace dedo en busca de "las personas a cargo" convencida de que su llegada a este mundo es un error de papeleo.

wtf?

Tiene una estética de Road Movie clásica, con amplios planos del horizonte, la ruta y el paisaje desértico.. Luz natural de día, y sin jugarse demasiado en la fotografía, siempre es agradable ver un auto en la ruta en una película. Es de esos clichés encantadores.

La película está basada en el cuento de Etgar Karet "Kneller’s Happy Campers", quien ya había recibido pedidos para adaptar su historia al cine, pero los cedió a Goran Dukic considerando que su guión haría justicia a la historia original.
Personalmente no creo que Etgar Karet y Goran Dukic hagan un buen equipo.
Entre la dirección de la película y la historia base, el resultado es un producto mal desarrollado, demasiado superficial y algo, me animo a decir, tonto...

Una película predecible y chata, que fracasa hasta en los momentos de humor irrelevantes que en vez de sumar, restan considerablemente a una historia, que tal vez, no sé como, pero tal vez, podría haber sido más interesante...

Dukic se jacta de haber agregado detalles al mundo inventado por Karet, como la ausencia de estrellas en el cielo, o la imposibilidad de los suicidas de sonreír (y dejo de enumerar porque no agregó más que eso) lo cual me parece bastante boludo teniendo la posibilidad de desarrollarlo de manera mucho más profunda cuando la intención era hacer una película más personal a pesar de estar basada en una historia ajena. Entre el autor del cuento y el encargado de adaptar el guión, no logran imaginar un mundo fuera del de los vivos, del que ya conocen. Quedando en evidencia de un intento fallido de utilizar la imaginación, alcanzando un resultado poco creativo y falto de contenido.

El desarrollo de la historia se pone más incoherente a medida que avanza la película, aunque la incoherencia o es el principal defecto. Hay películas geniales totalmente incoherentes y fantasiosas (como Kaboom de Greg Araki) que se diferencian en su manera de desarrollar los hechos, la postura concreta y decidida de hacer o no, una película incoherente y fantasiosa, o una historia de amor comercial, o una comedia negra. Lo que aquí falta es decisión.

The Wristcutters es también una historia de amor, que desde los primeros 15 minutos, ya sabemos cómo va a terminar, y solo nos queda esperar que durante la hora restante, aparezca alguna sorpresa que refute nuestra temprana predicción del final. 
Pero no...
Las únicas sorpresas que aparecen solo ayudan a que la sensación de que estamos frente a una película que va a pasar sin llamar la atención por nuestra vida, se afiance hasta el punto de decir "bleh" durante los créditos finales...

una palabra del slang estadounidense que representa indiferencia 

ejemplo: 
-¿qué te pareció el programa de marley? 
-bleh 
en este caso el significado oscilaría entre "más o menos" y "no sé" 

Los personajes en general carecen de complejidad. No existe un análisis, ni en las causas de los suicidios, ni la vida antes de la muerte, ni patrones de personalidad. Estos chicos simplemente se suicidan por alguna insatisfacción en su vida, que evidentemente no merece la menor atención.
El mensaje de la historia tiene pocos fundamentos porque el desarrollo parece no tener importancia para el director. Hay una simple moraleja sobre la vida, muy débil y sin poder de impacto.

Shannyn Sosamon está muy bien en su papel, es un personaje cautivante y querible. 
Patrick Fugit también está bien, cumple con su papel, que igualmente no aporta nada al mundo.
Tom Waits tiene una participación genial, como siempre, recreando un personaje que no es lo que parece (como siempre)

Los puntos fantásticos en la película dejan bastante que desear, reduciéndose al agujero negro bajo el asiento del auto y los pequeños milagros irrelevantes que pueden crear los suicidas.

La película es forzada, obvia y estructurada. El desenlace podría haber sido bastante más sutil, ya que con una historia tan básica no se necesaitaban tantos planos explicativos. El bajo presupuesto no justifica esos horribles efectos especiales, fácilmente reemplazables por insinuaciones que no requerían de dinero, sino de un poco de confianza en el espectador, quien está, a mi gusto, algo subestimado.

No es la peor película que se encuentra en cuevana, de hecho en algún punto tiene una premisa interesante (en realidad no lo creo, solo estoy tratando de ser más buena) No me esforzaría por impedir que alguien la viera y tal vez me encuentre en algún momento en particular recomendándola (no tengo idea en qué momento hipotético podría pasar ésto, pero no lo descarto).
Pero claramente la mejor manera de describirla es esa palabra--> bleh

Lo Mejor: Tom Waits
La Escena: La conversación que tienen Malik y Zia a orillas del mar, cuando encuentran la playa.
Lo Peor: La trama principal, que es básicamente tonta.

[Pony-puntaje> 5]


domingo 27 de noviembre de 2011

III Semana de Cine Europeo

Hace 3 años, se celebra en la ciudad la semana de cine europeo, donde se presenta una serie de preestrenos imperdibles que llegan desde el viejo continente.
Este 2011 la semana se llevará a cabo entre el 29 de Noviembre y el 6 de Diciembre, y las películas se proyectarán en el cine Gaumont Espacio INCAA Km 0 (Rivadavia 1635)
Las entradas cuestan entre $8 y $6, con descuentos para estudiantes y jubilados.

Todas las películas fueron seleccionadas por el director del festival de Cannes, Thierry Frémaux, quien estará presente durante esa semana para presentarlas acá en Buenos Aires.
El año pasado tuve la grata experiencia de acudir al estreno nacional de Enter The Void, en la 2da semana de cine europeo, donde Gaspar Noé, acompañado también por Thierry, presentaron el último largometraje del director radicado en Francia. Puedo asegurar que es una experiencia totalmente distinta ver una pelicula contando también con comentarios de expertos en el tema, o sus mismos realizadores. Por eso recomiendo acudir a estos preestrenos, que son en sí mismos oportunidades únicas.
Este año contaremos con la presencia de los hermanos Dardenne ("Rosetta"; "El niño"; "El silencio de Lorna") quienes presentarán su más reciente producción: "Le gamin au vélo"

A cotinuación, la programación completa.

Dato interesante: habrá un bono de $30 para ver las 5 películas que conforman el ciclo.

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Le Havre de Aki Kaurismäki. (Francia / Finlandia)
Martes 29 de Noviembre 20:30hs
Sábado 3 de Diciembre 20:30hs

trailer:


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Le Gamin Au Velo de Luc y Jean-Pierre Dardenne (Bélgica / Francia)
Miércoles 30 de Noviembre 20:30hs
Martes 6 de Diciembre 18hs

trailer:


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Melancholia de Lars Von Trier (Dinamarca / Francia)
Jueves 1ro de Diciembre 20:30hs
Domingo 4 de Diciembre 20:30hs

trailer:


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This Must Be The Place de Paolo Sorrentino (Italia / Irlanda)
Viernes 2 de Diciembre 20:30hs
Lunes 5 de Diciembre 20:30hs

trailer:


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Stopped on Track de Andreas Dresen (Alemania)
Sábado 3 de Diciembre 18hs
Martes 6 de Diciembre 20:30hs

trailer:


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Espero que les sirva la información
Disfruten la película
=)

miércoles 5 de octubre de 2011

Innocence


Basada en la novela de 1903 de Frank Wedekind "Mine-Haha, or On the Bodily Education of Young Girls" Innocence, retrata un grupo de niñas que viven en una especie de internado en medio del bosque. Allí reinan el orden y la disciplina, en un ámbito carente de figuras adultas, donde las niñas siguen las reglas al pie de la letra, atemorizadas por los graves castigos que surgirían en caso de romperlas. Un ambiente hostil debajo de la aparente armonía que emana la convivencia de las niñas con la naturaleza y los hermosos paisajes que las rodean.
Existe un ciclo natural para las cosas, y éste connota ciertas reglas, que deben ser respetadas aunque no estén escritas en ningún lado. “Obedience is the only path to happiness”

------contiene algunos datos de interpretación------

Una historia cargada de simbolismos, narrada de manera poética e hipnótica, que nos atrapa de principio a fin.
Lejos de mantener una estructura clásica, Innocence es una película que rompe esquemas, y aunque por momentos sea abstracta, responde todas las incógnitas que se presentan en la trama. La estructura clásica cinematográfica aporta un sistema de convenciones semióticas que son reconocibles, y permite que cualquier espectador encuentre el sentido último de la historia y sus connotaciones. Generalmente el espectador busca esta estructura cuando mira una película, y si no encuentra los símbolos, la considera inconclusa. En este caso, la directora deposita toda la información necesaria para responder las incógnitas relevantes de la historia, lo que el espectador debe saber encontrar, son dichas incógnitas. No es una película compleja de entender. Utiliza simbología universal y trata temáticas tangibles y contidianas, fácilmente identificables por el espectador. Lo que despista tal vez, es el disfraz onírico y fantástico, para transmitir un mensaje crudo y real.

Este es el 1er largometraje dirigido por Lucile Hadzihalilovic, colaboradora -y esposa- de Gaspar Noé. Anteriormente había dirigido cortometrajes, y éste fue su debut definitivo en el cine.
Hay una clara inspiración en la película "Picnic at Hanging Rock" de Peter Weir, estéticamente hablando. Las niñas vestidas de blanco en el bosque, y la tensión en la inmensidad y la hermosura de la naturaleza. Elementos naturales como símbolos, el agua, la mariposa, la serpiente, que invaden constantemente la pantalla bombardeando información. También podemos encontrar reminicencias a películas como "Badlands" y "Les Moissons du Ciel" ambas de Terrence Malick, títulos imperdibles si les interesa la estética que encontramos en Innocence. 

El sonido no es un punto menos importante en este cuadro en movimiento, ya que es la variable que impone el clima y el contexto. A pesar de las imágenes coloridas y vibrantes, los sonidos naturales del bosque nos generan una sensación turbia de peligro y tragedia, y sostiene un suspenso constante.

El elenco de esta película, formado al 100% por mujeres, es impecable, desde las interpretaciones de las niñas, hasta la participación de Marion Cotillard ("La Vie en Rose"; "Midnight in Paris") como la profesora de ballet.

Lucile ha comentado en entrevistas que ésta es una historia con tintes autobiográficos, y confiesa haber encontrado en Frank Wedekind los elementos para hacer una película fuerte e interesante. Sin dudas logró eso y mucho más. Siendo de esos films que se quedan en la cabeza del espectador por semanas, generando teorías y reflexiones, estimulando la imaginación, la crítica a la sociedad, los recuerdos personales...

Innocence, es un retrato atemporal, universal  y poético sobre la atemorizante experiencia de crecer. La metamorfósis y el ciclo de la vida, el miedo a la muerte, y los misterios de la niñez, la belleza y la perfección.

[Pony-Puntaje> 9]

lunes 3 de octubre de 2011

El Día Que No Nací


festival de cine alemán

El vuelo de María, una joven alemana que viaja rumbo a Chile, hace escala en el aeropuerto de Ezeiza, Buenos Aires. Durante la espera en la zona de pre-embarque, María escucha a una mamá argentina, cantarle a su bebé una canción de cuna. La vida de María se ve fuertemente perturbada en el instante en que ésta reconoce la canción, como un recuerdo inexplicable. En medio del shock, María pierde el vuelo a Chile, y sin planearlo, se encuentra varada en Buenos Aires, una ciudad en la que supuestamente no había estado antes.

Ésta es la ópera prima de Florian Micoud Cossen. Una co-producción entre Argentina y Alemania, filmada casi en su totalidad en la ciudad porteña de nuestro país. Florian estudió cine en distintos países europeos y una beca lo trajo hasta la Universidad del Cine de Buenos Aires. Vivió acá por 2 años, tiempo en el cual se enamoró de nuestra ciudad y su historia, y se propuso filmar su primer largometraje teniéndola a ésta como escenario principal.

Trata aquí el tema de los hijos de desaparecidos durante la dictadura militar en Argentina y el robo de identidad. Haciéndolo de manera profesional y sensible, sin caer en el melodrama ni la condescendencia, como ya ha pasado en muchos otros films que tocan la misma temática.
Florian se anima a retratar el momento en que a María se le revelan secretos guardados durante años, y su manera de afrontarse a ellos.

Filmando Buenos Aires con la mirada de quien la visita por primera vez. Una ciudad caótica y enigmática para los ojos primerizos. Florian permite a través de su película, que nosotros, que la vemos, y la caminamos todos los días, podamos redescubrirla.

"El Día Que No Nací" (o "La Canción Dentro De Mí", traducción literal del título original) es un claro homenaje a nuestro país, mientras que a la vez proporciona una gran película en sí misma, narrando una historia en un contexto particular pero desde un punto de vista universal. Esta habilidad refleja el profesionalismo con el que se llevó a cabo el proyecto, impecable en todos sus aspectos.
La entrega de sus realizadores hacia la película es evidente, y es la causa principal de tan bien logrado producto.

La banda sonora original, obtuvo premios en Alemania, así como Beatriz Spelcini, actriz secundaria argentina.
Todos los actores en general, hacen un trabajo espectacular en sus papeles, cargando de emoción y realismo a cada una de las escenas.
Jessica Schwarz (María) despliega una interpretación movilizante de su personaje, que logra con su búsqueda, una empatía profunda con el espectador. Tiene además muy buena química con su colega argentino Rafael Ferro, que interpreta a un policía que ayuda a María a desenterrar su pasado.
 
Personalmente, habiendo visto 8 películas del festival de cine alemán, creo que ésta fue la mejor. No tengo maneras de describirla para que se entienda mi impresión. Simplemente lo que me hizo sentir la película, la eleva sobre muchísimos otros títulos, que por más parafernalia técnica, nunca podrían conseguir.

Un debut insuperable de Florian Micoud Cossen. Habrá que seguir sus pasos de cerca. Promete cine de calidad y sentimiento.

[Pony-Puntaje> 9]